류승범이 나온 품행제로 이야기가 아니네요. Philippe Aries 의 "아이의 탕생"이라는 책을 읽었을 때 옛날에는 프랑스의 학교에서는 학생들이 무기를 가지고 다니고 폭동도 자주 일어났다는 이야기가 있어서 놀란 적이 있습니다. 어쩌면 프랑스에는 그런 전통이 있는지도 모르겠네요.
첫번째 샷에서 서태지는 바다를 선택했다. 그것은 이 세상과 다른 차원의 좀 더 넓은 세상, 더 나아가 무궁한 우주의 신비를 암시한다. 서태지의 모아이 뮤직비디오의 테마인 영원히 닿을 수 없지만 너무나 절실한 세상에 대한 판타지가 펼쳐지는 장소가 바로 이 바다라 할 수 있을 것이다.
서태지는 그곳에서 마이크를 놓고 동안의 얼굴로 무언가 메시지를 보내는 듯한 표정으로 '모아이'를 부른다. 모아이는 칠레령의 한 무인도에서 발견된 불가사의로, 외계인이 만들어 놓고 갔다는 설과, 그곳 원주민들이 관광수입을 올리기 위해 섬 내부에서 만든 다음, 그곳에 있는 원시림들을 베어 이동시키는 도구- 통나무를 굴려 돌을 깎아 만든 수십개의 모아이들을 옮겼다는 설- 로 사용했기에 현재에는 그 섬에 나무를 찾아볼 수 없을 정도로 황폐화되어 버렸다는 문명이 만든 비극이라 이야기하는 이도 있다.
이런 설들을 차치하고 모아이 뮤직비디오의 가치를 따져볼 때, 사실 독창적인 면은 찾기 힘들다. 뮤직 비디오의 존재이유 자체가 아티스트의 음반을 홍보하기 위한 광고로서의 역할을 한다는 점을 들 때, 그러한 기대는 좀 무리한 것이라는 느낌가지 들게 하는 것이 일반적이다.
하지만, 단순히 홍보로서의 뮤직비디오에 그친다 보기에는 모아이 뮤직비디오의 컨셉은 그 원곡만큼이나 혁신적이다. 텍스트로 이를 분석해볼 때, 아쉬움을 남기는 것이 있다면 과감한 제작비 투입해비해
부족한 실험정신 , 혹은 아티스트로서의 서태지의 명성을 뒷받침하기엔 너무나 평범하다는 점이e다.
그저, 잘 만들어진 상품으로 비춰지는 이 뮤직 비디오지만, 서태지의 음악성이 뒷받침하기에 그에 거는 기대는 컸던 데 비해 다소 빈약한 느낌을 준다. 그것은 라스트 시퀀스의 유에프오의 등장, 미스터리 서클 등의 코드를 던진 강력한 메시지와 견줄 때, 그 메시지를 영상으로 보여주는 방식에서는 무척 세련된 반면, 그 내용면에서는 새로울 것이 없는 진부한 소재주의라는 느낌을 떨치기 어렵기 때문이다. 서태지의 뮤직비디오는 그저 상업적인 데 그치는 것이 아니라 그의 음악성과 실험정신에 걸맞게 영상적으로도 한 차원 다른 과감한 면을 제시해주었으면 하는 아쉬움이 남는다. 그것이 그저 외계인의 유에프오 같은 판타지일지라도 팬들은 서태지에게 더욱 완벽함을 기대하고 있기 때문이다,
제 블로그에 자주 오시는 tomoae 님도 서태지 왕팬이세요. 그분한테 서태지 일본 데뷔 앨범을 찾아 달라는 부탁을 바았길래 혹시나 해서 인터넷 검색해보니 15000 엔(65000 엔이라는 값도 있었어요!)이래요. 그만큼 서태지 일본 데뷔앨범에 가치가 있다는 말인데 좀 놀랐습니다.
김지운 감독의 영화는 <장화 홍련>이라는 공포영화장르가 처음이었다. 그후, <달콤한 인생>이라는 느와르 액션물을 소화하기까지는 6개월이상이 더 소요되었다. 비록, 흡인력이 약한 느슨한 나래티브의 감독영화를 득달같이 챙겨보지 못한 것은 나의 게으름이라기 보다는 그의 영화스타일에 익숙해지려면 어느 정도 시간이 걸려야하기 때문인가 보다라는 나름 결론을 내려본다.
김지운의 지명도를 높인 <놈놈놈>에 대한 아쉬움은 앞에서 글로 옮긴 바 있다. 그 점은 차치하고 <달콤한 인생>이 영화만을 놓고 보았을 때, 김 지운 감독에 대한 컬트적인 팬을 자처하고 싶을 만큼 영화적 매력에 쏙 빠져들고 말았는데, 이는 아마도 <놈놈놈>을 본 후 그의 영화에 대한 궁금증이 급상승하였기 때문이다. 그의 스타일은 <장화 홍련> 한 편만을 보아도 파악이 된다. 무대스타일, 캐릭터에 집착하는 점은 연극에서 가져온 영향이 큰 것으로 보인다. 아무래도 프랑스영화들에서 보여지는 배우들의 다소 과장된 연기, 그리고 느슨하면서 끝이 흐지부지한 나래티브는 김지운 감독의 영화들과 닮아있다. <달콤한 인생>의 이 병헌의 캐릭터는 자세한 부연설명이 필요없을 정도로 정확하게 드러난다. 제목은 멋있어 보이는 삶을 살지만 실은 밑바닥의 인간으로서의 주인공의 상황을 보여준다. 보스의 오른팔로 신임을 받기까지 그가 어떤 생각으로 어떻게 살아왔는지는
배우들의 연기를 통해 말해준다.
마지막 총격씬에서 "나한테 왜 그랬어요"를 반문하는 이병헌에게 결국 그 이유를 말하지 못하는 보스(김영철)의 연기는 인상적이었는데, 생략으로 인해 가져오는 효과는 더 깊은 반향을 일으킨다. 그는 보스이며, 조직의 룰을 알기에, 병헌을 제거하기로 할 수 밖에 없던 것이다. 그것은 감정이 흔들리는 것, 즉 인간의 본성적인 부분을 거부하고 냉혈한이 되어야 살아남을 수 있는 잔인한 현실을 드러낸다. 마지막으로, 다소 과도하다 싶을 많큼 긴 총격장면은 <놈놈놈> 후반에서도 드러나는데 굳이 이렇게 길게 드러내보이는 것보다는 좀더 생략하는 편이 좋을 것이다.
영화는 정마담 김혜수의 나레이션으로 시작한다."내가 고니를 만난 건..."으로 시작하는 서술은 영화 중반부에 간혹 끼어드는 나레이션과 마지막 부분의 나레이션으로 이어지지만, 정마담의 시각에서 영화속 나레이터로서 영화내부에 존재하면서 그 영화에 대한 정보를 제공해주지는 않는다.그녀의 플래쉬백은 과거 많은 헐리웃영화에 등장한 나레이션을 연상시키지만, 그녀의 캐릭터는 좀 독특하다.주인공이나, 착한 인물, 혹운 관련이 없는 인물이 주로 나레이터로 등장하지만, 그녀는 미워하기 어려운 악인의 캐릭터를 구축하고 있다. 고니의 스승을 살해한 동기가 자신을 화투판으로 끌어들였기 때문이라지만 결국 그 세계에서 한 치도 벗어나지 못하고 마지막 순간에 돈을 내놓으라며 고니를 향해 총을 겨눈다.
승자는 역시 흥행영화 클리쉐대로 영웅이 되는 "고니"다.-추격자에서 범인이 잡히지만 빠져나간다는 점, 그리고 간신히 탈출한 여성캐릭터가 수퍼마켓에서 다시 살인마와 마주치는 장면은 클리쉐에서 상당부분 벗어난 것이어서 그 충격이 오래간다. 하지만 근래에 본 사회비판적인 테마를 다룬 <추격자>와 비교해볼 때 두영화모두 영화적 테마를 집약적으로 보여주는 것보다는 사건묘사에 더 치우쳐져 있으며, 죽게되는 여자 캐릭터의 딸이 혼자 병원침대에 남겨져있는 마지막 장면은 허무하기 이를 데 없는 상황으로 몰고간 다는 점에서 두 영화의 엔딩은 전혀 다르다.- 필자는 이런 상쾌한 결말이 찝찝했다.모든 것이 너무 쉽게 해결되면 비현실적으로 다가오는 법. 영화의 완성도나 캐릭터구축면에서 성공한 타짜가 시나리오상에서 좀더 욕심을 내어 사회와 밀착되어졌더라면 더 좋았을텐데...하는 아쉬움이 들었다.
땀내섞인 돈냄새를 풍기는 한탕의 탐욕으로 이글거리는 투전판의 묘사는 리얼했다.도박의 끝 = 파멸이라는 교훈을 담고있지만 그 방법은 직접적이지 않으면서도 강렬하다는 것이 이 영화의 가장 큰 장점이지만 도박에 빠져들게 되는 원인에 대한 부분이 좀 허술한 편이었다.
김지운감독작품이라 기대를 했다. 세 배우가 등장하는 건 흥행을 염두에 둔 전략적 차원이라는 것을 잘 알 수 있었다. 이병헌의 등장이 특히 눈길을 끌었는데, 전작인 <달콤한 인생>이후, 더 업그레이드된 연기를 펼치리란 기대를 갖고 극장을 향했다.
테마에서 서부극의 테마- 황야, 모험, 그리고 결투, 신화등의 요소-를 가져온 점은 높이 살 만하다.
경쾌한 서부극 특유의 박력에 김지운 감독의 섬세한 스타일이 어우러진 영상은 인공적인 냄새가 나는 것을 제외하곤 흠잡을 데 없이 멋졌다. 대사나 연기에 있어서 <달콤한 인생>만큼의 날선 느낌은 덜 했던 것이 아쉬웠지만, 이병헌의 연기 역시 한층 세련되어져 있었고 눈빛만으로 모든 것을 말해주는 연기는 훌륭했다. 여기에 덧붙여진 조연배우들이나 정우성, 송강호 역시 제 몫을 다하고 있었고. <장화, 홍련>을 만든 감독이 이런 남성적인 영화를 만들어내는 것은 중간작인 <달콤한 인생>을 보기 전에는 좀 의아했지만, 어떻게보면 내가 본 <장화, 홍련>이야말로 김지운 감독의 필모그래피에서 특이한 위치를 차지하는 작품이란 생각이 들었다. 하지만, 나래티브면에서 김지운 감독의 방식은 세 작품 모두에 일관되게 나타나는데 스토리의 전개보다는 강한 이미지와 스타일로 승부하는 김감독 특유의 개성이 <놈놈놈>에서도 나타난다.서부극의 형식을 빌려와 실험을 한 점은 높이 사고 싶고, 김지운감독의 작품세계의 다채로움을 볼 수 있어서 좋았다. 건 파이트 피날 gun fight final에서 마적단과의 총싸움은 과연 저걸 어떻게 찍어냈단 말인가 싶을 정도로 대단했다.
작품성면에서 서부영화의 교과서격인 존 포드의 <역마차>에서 마차안의 인물들은 당시의 사회상을 반영하는 인물들이며 그들이 가야할 목적지로 가기위해 목숨을 걸고 이동을 한다. 돈을 위해 자신이 잊고싶은 과거의 총잡이 일을 다시 해야하는 <용서받지 못할 자>의 클린트 이스트우드처럼, 돈을 위해 움직이는 좋은 놈은 그가 집착하는 이유가 설명되어있지 않다. 최고가 되고 싶은 창이 역시, 그의 동기가 모호하며, 진짜 나쁜 놈이 아니었단 점에서 약간의 연민만을 불러일으킨다.영화에서 가장 이상하게 어중간히 걸치는 존재는 이상한 놈의 존재인데 이 인물은 돈을 위해 보물지도를 손에 넣고 쫒기는 위치가 되며 좋은 놈과 나쁜 놈으로 규정된 두 사람의 사이에서 완충역할을 한다. 하지만 정작 그가 진짜 나쁜 놈이라는 정체가 나쁜 놈에 의해 밝혀지는데 그 개연성이 떨어진다. 즐기라고는 했지만, 통쾌한 액션씬보다도 더 관객을 즐겁게 하는 것은 다른 요소가 아닐까. 기차, 말, 총싸움 등의 연출은 훌륭했지만, 테마와 밀착되지 않은 이런 장면은 단순히 관객에게 시각적인 즐거움을 주는 데 그침으로써- 갈등이 고조되지 않은 나래티브의 약점탓에- 당위성을 갖지 못하고 있어서 아쉽다.산만하게 등장하는 마적들이나, 아편장수인 가짜 독립군 장면이었다. 좀 더 심플하게 인물들을 정리하고, 일련의 사건들을 마지막 장면을 위해 집중했더라면 완성도면에서 바람직하지 않았을까 싶다. 위의 장면들은 결코 흥행에도 도움이 되지는 않을 것이다.
보물지도보다는 현실적인 요소가 등장해서 극의 흐름을 이끌어갔으면 좋았으리란 생각이다. 단지 즐기는 영화를 만들 수 없는 김지운 감독이기에 그의 재능을 이런 데 소비하지 말았으면 하는 바램이다. 하지만, 아무래도 흥행을 무시할 수는 없기에 관객의 바램을 저버리지 않기위한 봉사차원의 액션씬으 들어갔음을 비난하기에도 찝찝하다. 한국영화사상 최대의 제작비 운운하기보다는 영화를 좀 더 밀도있게 만들면 제작비는 줄어들지 않았을까? 스타일을 위해 제작비가 많이 필요함은 필수불가결한 것인가? 왕가위감독의 2046은 최고의 스타들이 총출동하여 멋진 연기를 펼치고 미장센에서도 완성도가 뛰어나지만, 영화가 산만하고 내러티브가 약했다. 하지만, 개인적으로 이런 영화들을 선호하는 관객들도 있다. 나역시 그런 관객 중 한 사람이다. 하지만, 좀 더 거장의 반열에 들어가려면 다른 무엇인가가 있어야 한다. 그것은 물론, 이야기 구성이 가장 중요하다고 말하는 것은 아니다.
영화는 관객을 위해 존재하는 것이지만 관객이 진정 바라는 것은 멋진 총싸움은 아닐 것이다. 그보다는 정신적인 갈증을 해소해주는 영화가 아닐까.
"김지운 감독은 우리를 즐겁게 해주는 것보다는 진정한 씨네아스트가 되어주는 것이 훨씬 어울린다."
이 부분에서 프리츠 랑의 M. le maudit이란 영화가 떠오른다. 연쇄 유아살해자는 결국, 그가 저지르는 연쇄 범죄로 인해 경찰의 수사망의 최대 표적이 된 당시 1931년도 마약밀수단들이 직접 그를 찾아해낸다는 아이디어이다. 여기에서 프리츠 랑이 범인을 찾아내는 방법은 풍선장수 장님노인의 청각에 의한 것이며, 범인을 잡는 데 성공한 밀매단 패거리들은 공공건물의 지하에 그를 가둬두고 모두 모여 인민재판을 벌이려한다. Lang은 그들은 마약을 파는 자들이 아닌가. 그런데 어떻게 범죄자가 범죄자를 단죄할 수 있는가 하는 문제를 던진다.경찰이 들이닥치자, 그들은 꽁무니를 친다.
추격자는 시나리오에서 감독이 무엇을 보여주고 싶은 것인가를 확실히 해두지 못한 것이 아닐까 하는 생각을 품게한다. 그로 인해, 살해정황과 여러 가지 범인의 캐릭터 창출, 추격자가 매춘업자인 전직경찰이라는 상황은 갈수록 설득력을 잃고 만다. 카메라의 포커스와 편집의 긴장감, 그리고 사회현실을 보여주는 청록색의 컬러는 두려움과 긴장감을 일으키지만, 설득의 효과를 형성하지 못한다.관객은 추격자와 본인을 동일화하지도, 그렇다고 범인과도 동일화되지 못하고 있기 때문이다.그렇다고 다큐멘터리영화처럼 관찰자의 입장에 머물며 지켜보도록 내버려두지 않는다.
감독의 의도는 무엇이었을까. 추격자는 시종일관 공포와 긴장감, 그리고 잔혹함에 미간을 찌푸리며 떨게 만들고 피해자의 어린 딸은 감정의 심한 자극을 준다. 매춘업을 하는 전직경찰은 단지, 생계를 위해 기도일을 하는 범법자이다.그의 갈등에 대해 공감을 갖기 위해 그점을 최대한 눈감아 주고 전직경찰로서의 정의감이 되살아나 희생자를 애타게 찾고있는 것이라 보아넘기기엔 그 추격의 동기가 설득력을 잃고 있다. 감독이 희생자 미진의 딸을 등장시킨 점은 관객의 감정선을 자극하는 촉매제정도로밖에는 받아들여지지 않았다. 감독의 목표는 보는 내내 관객의 긴장감을 잡고 있는 것이고 그러한 의도는 치밀한 미장센과 재능으로 성공을 거두고 있긴 하지만 영화를 본 후 관객에게 닿는 메시지는 진실한 것이었을까. 정부고위층, 공권력의 무능력함은 이미 살인의 추억에서도 다룬 바 있다. 추격자는 현한국사회의 부조리한 현실을 그리는 데 있어서 고발정신이나 문제제기에 대한 공감을 얻어내는 데는 아쉽게도 리얼리티를 얻지 못해 실패고 있다. 리얼리티란 영화내 상황이 진실에 닿아있어 관객으로 하여금, 몰랐던 현실의 이면을 깨닫게하는 것을 말할 때, 추격자는 서스펜스를 창출하며 그럴 듯하게 리얼리틱한 현실을 모사하는 데 충실한 반면 ,과연 그것이 진실로 받아들여지는가라는 질문에는 고개를 기울이게 만든다. 특히, 수퍼마켓에 숨은 미진을 찾아내 죽이는 시퀀스는 살인자가 얼마나 잔인한 놈인가를 보여주지만, 과연, 이렇게까지 관객을 위협하는 목적이 무엇일까하는 생각을 품게 만든다. 진정 감독이 원한 것은 무시무시하기 이를 데 없는 현실을 경계하고 또 경계하라는 메시지를 전달하고자 하는 것이었을까? 그것이 아니라면, 살인자는 성불구자이었기에 정신이상 증세를 일으켜 수많은 접대여성들을 폭행하고 살해한 것이었을까? 그런 살인자를 키운 이 사회의 현실은 부조리한 양심없는 권력층과 권력에 복종하는 무능력한 경찰, 검찰 조직인가?
원인을 밝히지도 않고 해답을 제시하지 않는다는 점에서 이 영화는 이 영화는 철저히 말하고자하는 바를 감추고 있다. 그로 인해 관객들은 더 궁금해하고 원인을 알 수 없는 사회적 범죄를 두려워하게 되는 것이다. <살인의 추억>은 코미디와 범죄영화장르를 복합시켜 긴장을 이완시키는 반면에 <추격자>는 시종일관 긴장의 끈을 놓아주지 않는다.
아쉬운 점은, <추격자>가 <살인의 추억>의 주제를 같이 하면서도 이야기의 구조에 있어서 리얼리티를 획득하는 데는 좀 부족하다 느껴지는 데 영화의 독창성을 돋보이게 하는 반면, 진정한 리얼리티를 구축하는 데에서는 그만큼 날카롭지 못하다.
덧글을 처음 써봐서, 여기 쓰는 게 맞는지 모르겠네요.^^* <엠>과 관련된 제 리뷰 아래 ppoottoo님이 남겨주신 글 읽고 찾아왔습니다. <추격자>, 혼자 보기 너무 무섭다고 해서 그 많은 사람들이 보는데도 안 보고 버티고 있는데, 설득력과 리얼리티가 부족하다고 하시니 오히려 보고 싶은데요.ㅋ 주변에서 혹평하는 걸 못 들어봐서.. 초보 블로거인데 공부하다가 종종 들르겠습니다.^^
< 쿵후 팬더 > 제목이 문득 <핑크 팬더>라는 본 적없는 2D애니메이션의 타이틀을 떠올렸다. 디즈니사는 이제 3D에니메이션이 아니면 영화로 만들지 않을 모양이다.<토이스토리 > 이후 이어지는 컴퓨터그래픽으로 매끈 정교한 영상, 그리고 현란하기 짝이 없는 카메라 움직임이 21세기 기계문명의 아름다움을 한껏 뽐내는 듯하다. 하지만, 그에 길들여진 관객(나)의 눈은 이제 3D가 아니면 영화관에서는 영 불편하게 느껴지게 되었다. 돈내고 2D를 보러 극장까지 오리? 하는 생각일까?정작 2D로 처리된 팬더가 꾼 꿈속 장면인 첫 시퀀스에 불과하다. 첫 시퀀스에서 혹시...2D아냐?하고 걱정했다. 이제 극장용 에니메이션은 당연히 3D라는 고정관념이 자리잡게 된 모양이다.작년에 <페르세폴리스>를 보는 동안 2D의 수작업의 매력보다는 지루한 영상, 시나리오에 짜증이 일 정도였다.탄탄한 각본, 교훈을 주는 메시지, 그리고 현란하면서도 절묘한 카메라 워크. 관객층을 고려한 캐릭터의 개발 등은 디즈니 에니메이션의 발달한 현주소를 입증해보인다.
나? 개인적으로 쿵푸 팬더의 클리쉐에 쏙 빠져들어갔고 곧, 쿵푸를 배우고 싶다는 생각이 들었다.
...쯧!...
프랑스영화에 자주 주연 혹은 비중있는 조연으로 등장하고 있는 실비 데스튀의 출연영화들 중 <두려움과 떨림>이 있다. 아멜리 노통이라는현재 최고인기를 누리는 벨기에 출신의 불어권 베스트 셀러작가가 일본 회사 근무 6개월간의 자신의 이야기를 쓴 소설 <두려움과 떨림>가 원작이다.영화에서 실비 데스튀는 주인공 아멜리역에 잘 어울리는 프랑스적인 외모와-여기서는 프랑스어를 하고 일본에서 나고자란 일본어가 두번째 모국어인 벨기에인인 아멜리 노통- 섬세하면서 동시에 선굵은 연기를 선보인다. 2000년에는 < Les Blessures assassines 살해당한 상처받은 이들 >에서 범인으로 의심을 받는 인물 크리스틴 파펭을 연기하면서 세자르의 meilleur espoir상을 수상한다. 실비 데스튀는 2004년 일본 어느 대기업에서의 지옥같은 상황에서 겪은 아이러니한 이야기를 담은 < Stupeur et tremblements >로 세자르 여우주연상을 수상했다.올해 세자르 석권을 노리는 현재 상영작 <사강>에서 프랑소와즈 사강으로 출연한 실비 데스튀는 자기파괴적인 사강을 해석한 비올로지(인물영화)에서 자신의 재능을 한껏 드러내 보인다. 자기중심적이며 작가로서 당대 최고의 인기를 모은 프랑소와즈 사강이 내뱉는 대사 하나하나가 실존인물의 것처럼 여겨지는 것은 대단한 연기력이라 할 수 있겠다. <사강>은 <라 몸므>의 에디뜨 삐아프 친구역에 그친 실비 데스튀에게 두번째 세자 여우 주연상을 선사하지 않을까.
일찍 영화에 열정을 갖게된 실비는 샤를롯 갱스부르주연의 < L' Effrontée >에서 복잡한 심리의 10대 역할을 했다. 역사를 공부하고자 리용에서 파리로 온 후, 연기수업에 들어갔고 1994년 < Couples et amants. 커플들과 연인들 >이 첫 출연작이다. 같은 해, 실비는 프랑스 독일 합작 프로덕션과 일하게 되고, 프랑스인들은 이 작업에서 손을 떼게 되지만, 이 영화가 상연된 후 실비는 이 영화를 통해 주목받게 된다. 실비 데스튀의 악마적인 미소가 < Karnaval >을 통해 프랑스영화인들에게 발견되고 프루스트의 <죄수>를 영화화한 < La Captive (2000) >에 주연으로 발탁된다.
프랑스
두려움과 떨림
사강
-, le récit plein d'ironie d'une descente aux enfers dans le monde de l'entreprise japonaise, d'après le best seller de Nothomb. Devenue une actrice de premier plan, elle poursuit dans cette veine burlesque avec Cause toujours ! de Jeanne Labrune et Demain on déménage de sa complice Akerman, mais c'est sur le terrain du mélodrame que l'emmène sa seconde collaboration avec Corneau (Les Mots bleus, 2005).
Après avoir incarné une jeune femme prête à tout pour rejoindre l'homme de sa vie sur le front en 1917 dans La France, elle recherche le mystère Watteau aux côtés de Jean-Pierre Marielle dans Ce que mes yeux ont vu. Puis, elle participe en 2007 à la réussite internationale de La Môme en interprétant Mômone, l'amie d'enfance d'Edith Piaf. Sylvie Testud enchaîne les biopics en passant devant la caméra de Diane Kurys avec Pierre Palmade pour les besoins de Sagan, film éponyme sur l'écrivain célèbre à la vie tapageuse
Filmographie
프랑스의 대표 조연배우가 아닐까 싶다. 이자벨 낭티는 1983년 영화출연이후 다양한 인물들을 연기해왔다. 1990년 타티 다니엘의 영화에 출연한 이후 관객들에게 인지가 되기 시작한 이 배우는 아멜리 풀랭에서 담배를 파는 여인으로 등장해 세자르 여우조연상을 수상하였고 조연 여배우로서의 입지를 확고히했다. 미션 클레오파트라에서 제라르 드빠르 디유와 출연하였는데 연극무대에서 경험을 쌓아 연기력을 넓힌 배우다. 이 배우의 연기는 보는 이로 하여금 편안하고 즐겁해 만든다.
굳이 이자벨 낭티에 대해 관심을 갖는 이유는 그녀를 마들렌 사원 횡단보도에서 우연히 보았기 때문. 영화속 눈에 그닥 뜨이지 않았던 바와 달리, 그녀는 아름다운 블론드헤어를 자랑하는 미모의 중년여배우이다. 쿠퍼스를 운전하는 장면을 이동차위에서 촬영하느라 대로를 이동중이었는데 내가 직접 파리에서 본 첫 프랑스 배우라는 데 의의를 두고 싶다. (일전에 알랭 샤바를 닮은 배우가 영화를 촬영하고 있는 것을 버스를 타고 가다 본 적이 있는데, 그가 알랭 샤바였는지는 확신할 수 없기에.)
최근작 Disco
Desaccord parfait
Habituée des seconds rôles, Isabelle Nanty apparaît pour la première fois au cinéma en 1983 dans Le Faucon de Paul Boujenah, puis deux ans plus tard dans On a volé Charlie Spencer ! aux côtés de Béatrice Dalle. Toutefois, le grand public ne la découvre réellement qu'en 1990 avec Tatie Danielle, où elle interprête une aide ménagère tyrannique.
Tout en multipliant les personnages gouailleurs au grand écran, elle met en scène plusieurs pièces et spectacles au cours des années 90. Son rôle de buraliste hypocondriaque dans Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain lui permet d'obtenir une nomination aux César en tant que meilleur second rôle féminin. En 2002, elle incarne Itinéris aux côtés de Christian Clavier et Gérard Depardieu dans Astérix et Obélix : mission Cléopâtre.
Forte de son expérience d'actrice et de metteur en scène au théâtre, Isabelle Nanty s'essaie à la réalisation avec Le Bison (et sa voisine Dorine), une comédie dans laquelle deux voisins de palier (elle et Edouard Baer) sont obligés de s'entraider le jour où le mari de l'une part refaire sa vie avec la compagne de l'autre.
--------------------------------------------------------------------------------
Le Mytho (Prochainement), de Hugo Gélin
King Guillaume (Prochainement), de Pef Martin-Laval
Incognito (2009), de Eric Lavaine
Agathe Cléry (2008), de Etienne Chatiliez
Disco (2008), de Fabien Onteniente
Ce film est projeté dans 11 salle(s) La Baronne
Désaccord parfait (2006), de Antoine de Caunes Rageaud
Essaye-moi (2006), de Pierre François Martin-Laval la mère de Jacqueline
Santa Closed (2006), de Douglas Attal Danielle
Casablanca Driver (2004), de Maurice Barthélémy Léa
Pas sur la bouche (2003), de Alain Resnais Arlette Poumaillac
Zéro un (2003), de Jeanne Biras
Le Bison (et sa voisine Dorine) (2003), de Isabelle Nanty Dorine
Toutes les filles sont folles (2003), de Pascale Pouzadoux Vanille
3 zéros (2002), de Fabien Onteniente Sylvie
Astérix et Obélix : mission Cléopâtre (2002), de Alain Chabat Itinéris
A l'abri des regards indiscrets (2002), de Ruben Alves la mère riche
Edouard est marrant (2002), de Riton Liebman elle-même
Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001), de Jean-Pierre Jeunet Georgette
L'Envol (2000), de Steve Suissa la conseillère artistique
Les Frères Soeur (2000), de Frédéric Jardin Marion
La Bostella (2000), de Edouard Baer Mathilda
Ca reste entre nous (1998), de Martin Lamotte Martine
Serial Lover (1998), de James Huth Isabelle
Le Bonheur est dans le pré (1995), de Etienne Chatiliez
Les Amoureux (1994), de Catherine Corsini Marilyn
La Folie douce (1994), de Frédéric Jardin Gloria
Pourquoi Maman est dans mon lit ? (1994), de Patrick Malakian
Les Visiteurs (1993), de Jean-Marie Poiré Fabienne Morlot
La Belle histoire (1992), de Claude Lelouch Isabelle
Sexes faibles (1992), de Serge Meynard Douce Mamirolle
Tatie Danielle (1990), de Etienne Chatiliez Sandrine, la jeune garde
Les Deux Fragonard (1989), de Philippe Le Guay Lisette
L'Autrichienne (1989), de Pierre Granier-Deferre reine Milliot
La Passion Béatrice (1987), de Bertrand Tavernier La nourrice
Preuve d'amour (1987), de Miguel Courtois Anne-Marie
On a volé Charlie Spencer ! (1986), de Francis Huster La petite blonde
Rouge Baiser (1985), de Véra Belmont Jeanine
Le Faucon (1983), de Paul Boujenah L'animatrice radio
Réalisatrice
<이레이저 헤드>, <엘레펀트 맨>이 같은 주제를 다루고 있다면, 로스트 하이웨이는 데이빗 린치의 영화에서 하나의 전환점을 가져온 영화다. 전자가 세상에서 받아들여지지 않는 존재에 대해 다루고 있다면 <로스트 하이웨이>는 우리가 보는 세상이면에 존재하는 다른 차원을 보여주고 있는 보다 비현실적인 영화라 할 수 있다. 첫시퀀스의 빠른 속도로 달리는 고속도로의 중앙선 표시는 의식의 두 방향을 상징한다. 오른쪽과 왼쪽으로 방향이 나뉘어져 있으며 그 경계선을 넘을 때 대형사고를 초래하듯, 현실에는 두 세상이 공존하고 있다. 즉, 정상적인 세상과 초현실적인 의식의 세계이다.현실과 초현실이 공존하고 있음을 보여주는 기법에 있어서 린치는 <멀홀랜드 드라이브><인랜드 엠파이어>에서 동일한 방법을 사용하고 있기 때문이다. <로스트 하이웨이>에서의 공간과 시간은 현재에 보다 가깝기에 <이레이저 헤드>보다 얼핏 더 현실적으로 보이지만 그와 달리, 말하고 있는 주제는 우리가 정상적 인간으로 살아가기에 세상은 얼마나 비정상적인 것을 강요하는가 이처럼 가혹한 현실에서 정상적으로 산다는 것이 과연 가능한 일인가를 보여주기 때문이다. 사랑하는 아내의 배신이 한 남자에게 인간으로서 견딜 수 없는 고통이라면 그는 다른 사람이 되어 버릴 수 밖에 없다. 그 남자는 다른 인물이면서 동시에 같은 인물이다. 린치는 이런 기법을 <인랜드 엠파이어><멀홀랜드 드라이브>에서도 계속 사용하고 있는데 한 인물이 차원이 다른 공간과 시간에서 공존하는 것이다.
그의 천재성이 번득이는 이 방법은 이전의 어떤 영화에서도 사용된 바 있는 지는 모르겠지만, 그의 빛과 색채, 배우들을 선택하는 방법은 탁월하기에 그만의 독특한 색채를 지니고 있다. 영화작가이면서 진정한 아티스트로서 데이빗 린치의 재능이 싹트기 시작한 영화가 <로스트 하이웨이>라 할 수 있다.
CATEGORY
나를 등록한 블로그 
