충무로 HD시대 본격화

CJ 250억 규모로 8편 프로젝트 추진, OCN도 공포 연작 <코마> 제작

CJ의 HD 프로젝트 첫주자 류승완 감독

충무로에 본격적인 HD 바람이 분다. 지난 6월14일 CJ엔터테인먼트(이하 CJ)는 “8편의 HD 장편 상업영화 프로젝트를 추진한다”고 발표했다. 오는 11월 크랭크인할 예정이며 현재 시나리오 작업 중인 류승완 감독의 <짝패>(가제)가 첫 번째 주자가 될 전망이다. 이후 2006년에는 박찬욱, 최익환, 이무영, 최동훈 감독이 가세한다. 2007년에는 유하, 허진호, 그리고 아직은 미정인 신인감독 1인이 최종적으로 연출에 임할 예정이다. 이번 프로젝트는 편당 15억∼25억원의 예산이 책정되고 총예산은 250억원 규모로 준비된다. 촬영부터 상영까지 전 과정을 HD로 소화하는 것이 가장 큰 특징이다. 특히 상영에 대해 CJ쪽은 “작품들에 대해 2주 동안 상영기간을 보장하며, 가급적 디지털 상영을 중심으로 DLP 영사시스템이 구축되지 않은 일반 극장에서는 키네코 작업을 통해 프린트가 제공된다”고 보완책을 제시했다. 박찬욱 감독은 “새로운 제작기술을 활용하는 미래지향적인 도전”이라고 이번 프로젝트의 의의와 참여동기를 밝혔다.

프로젝트를 총괄하는 프로듀서는 <친절한 금자씨>를 제작하는 모호필름의 대표인 이태헌 PD가 맡았다. 이태헌 PD는 “HD라는 새로운 포맷의 초기 위험을 감당하기 어려운 현실 때문에 시간이 많이 흘렀다. 위험을 분산시키는 대안으로 여러 편의 영화를 함께 만든다는 방법을 생각했다”고 프로젝트의 취지를 설명했다. 이번 프로젝트의 총책임자인 신상한 CJ영화사업본부장은 “제작비가 30% 정도 줄어들 수 있을 것”이라고 제작비 절감에 대한 기대를 표했다. 책정된 편당 예산은 현재 일반적인 35mm 상업영화의 50∼70%에 해당하는 수준이다. 촬영기간도 2∼3개월 안에 끝내는 것을 목표로 한다.

한편 봉만대 감독의 HD 시리즈물 <동상이몽>을 제작했던 영화케이블 OCN도 새로운 HD프로젝트를 시도한다. 공수창 감독은 김정구, 윤준석, 조규옥 3명의 독립영화감독들과 만드는 공포영화 연작 <코마>를 6월20일 크랭크 인한다. 공 감독이 두편을 연출해서 총다섯편을 <주먹이 운다>의 시오필름이 제작하고 총예산은 25억원이다. 할리우드도 사정은 별로 다르지 않다. <스타워즈 에피소드3: 시스의 복수>를 만든 디지털영화의 전도사 조지 루카스, ‘프로젝트 880’의 제임스 카메론, 2929프로덕션과 6편의 HD 옴니버스를 진행하는 스티븐 소더버그, <씬 시티>의 로버트 로드리게즈 등 일군의 감독들이 차기작들을 HD로 선보인다. 제임스 카메론의 “다시는 필름으로 영화를 만드는 일은 없을 것”이라는 언급처럼 국내외를 막론하고 필름 작업의 축소는 대세로 접어들었다.

글: 김수경<lyresto@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/lyresto)

디지털영화의 가능성, <디지털 삼인삼색>

여섯 번째 ‘디지털 삼인삼색’. 첫 번째 극장개봉. 아핏차퐁 위라세타쿤의 밀림과 쓰카모토 신야의 신체와 송일곤의 마법이 한자리에 모였다.

전주국제영화제의 간판 프로그램 중 하나인 ‘디지털 삼인삼색’, 그 여섯 번째 프로젝트를 완성한 감독들은 쓰카모토 신야, 송일곤, 아핏차퐁 위라세타쿤이다. 쓰카모토 신야는 전매특허에 가까운 신체의 상상력으로 재장전했고, 송일곤은 공간과 시간의 제약을 즐기며 연극적인 영화를 만들었고, 아핏차퐁 위라세타쿤은 정글을 배경으로 이미지의 편린들을 모아서 영화 안 세계와 영화 바깥 세계를 공존시킨다. 극장에서의 상영 순서는 아핏차퐁 위라세타쿤의 <세계의 욕망>, 쓰카모토 신야의 <혼몽>, 송일곤의 <마법사(들)>이지만, 여기서의 소개순서는 <혼몽> <마법사(들)> <세계의 욕망>으로 한다.

<혼몽>. 이상한 일이 벌어진 것이다. 영화가 시작하면 남자는 좁은 몇뼘 간격의 벽 사이에 갇혀 있다. 그곳이 어디인지 모를 뿐 아니라, 왜 거기 그렇게 있게 된 것인지도 모른다. <혼몽>은 영화의 주인공인 벽 속에 갇힌 남자(감독인 쓰카모토 신야가 직접 주인공을 연기한다)가 그곳에서 탈출하려고 갖은 수를 다 쓰는 모습에 거의 모든 장면을 할애한다. 인과가 없으므로 내러티브가 중요치 않고, 상대방이 없으므로 관계의 갈등 또한 찾을 수가 없다. 신체의 불온함에 특히 민감한 감각을 갖고 있는 쓰카모토 신야는 여긴 어디인가라는 질문을 지속시키기보다 몸뚱이는 무엇을 할 수 있는가라는 쪽으로 질문을 이어나간다. 그래서 오로지 그 벽과 마주한 육체의 맥박을 광각의 앵글과 들고나는 초점들, 떨림의 운동으로 포착해낸다. 쓰카모토 신야가 즐겨 추구하는 ‘파괴적인 공간에서의 고독한 주인공의 사투’가 여기서 다시 반복되는 것이다. 그러나 뒤틀린 영화적 기하학과 세포학으로 무장한 그 상상력이 쾌감의 끝이나 혹은 사유의 끝을 끌어내는 데까지는 이르지 못하고 있다. 그래서 <혼몽>은 쾌락의 B급무비도 철학적 예술영화도 아닌 그 중간쯤의 벽에 갇혀 있다.

<세계의 욕망>

<세계의 욕망>

<마법사(들)>. 어느 산중에 있는 술집. 젊은 술집 주인(정웅인)과 친구(장현성)는 시시껄렁한 농담을 곁들여 진지했던 과거를 회상한다. 그때 한 스님(김학수)이 술집을 찾는다. 그 이상한 스님과 이야기 벗을 하던 친구는 술집을 벗어나 바깥으로 나간다. 그러면 이제 그곳은 장소도 시간도 바뀐 과거의 어느 자작나무 숲이다. 거기 여자친구 하영(강경헌)이 웅크리고 있다. 그 둘은 이미 자살하여 죽어버린 친구 자은(이승비)을 떠올린다. 어느 순간 혼령처럼 자은이 거기 나타나고 카메라는 다시 그녀를 따라 장소를 이동하고, 시간은 다시 다른 때로 와 있고, 거기에는 자은의 남자친구였던 술집 주인이 과거의 모습으로 있다. <마법사(들)>의 연결은 이런 식이다. 총 4개의 공간을 하나의 카메라가 실제 시간으로 연이어 잡아낸다. 따라서 인물들의 등·퇴장을 따라 연결되는 네개의 연이은 세트 공간은 네개의 무대이며, 네번의 막이며, 하나의 숏 안에 들어 있는 네개의 신이고, 네개의 시간이다. 물론 이 화술은 제목이 반영하듯 영화 자체의 느낌을 마법의 차원으로 끌어올렸으면 좋겠다는 생각에서 고안된 설정일 것이다. 그러나 <마법사(들)>는 영화적 마법을 찾는 대신 지나치게 연극성에 의존한다.

<세계의 욕망>. 경이로운 것은 이 영화다. 우리가 보는 것은 무엇일까? 우리는 어떻게 보는 것일까? 아핏차퐁 위라세타쿤의 영화는 언제나 이 질문을 포함한다. 그리고 언제나 중첩적으로 보여준다. <세계의 욕망>에는 한편 또는 두편의 영화가 있고, 그걸 찍는 스탭들의 모습이 있다. 그들이 찍는 영화의 내용은 명확하지 않다. 밤장면은 뮤지컬이고, 낮장면은 도피하여 어디론가 가고 있는 젊은 남녀의 이야기다. 밤을 배경으로 한 뮤지컬영화와 낮을 배경으로 한 러브스토리 영화 이렇게 두편으로 이해하는 것도 가능하다. 하지만, 어느 쪽이 맞는지 가르는 것은 쉽지 않을 뿐더러 큰 의미도 없다. 게다가 영화 한편의 낮과 밤, 또는 낮과 밤의 두편의 영화를 찍는 스탭들의 모습과 목소리는 다시 그들이 찍고 있는 그 영화 이미지에 섞여들어가면서 혼동을 준다. 때때로 카메라 뷰파인더상의 이미지, 사운드가 없는 모니터상의 이미지로만 화면을 채우기도 한다. 여기에 영화의 일부인지 아니면 스탭들이 쳐다보는 밀림인지 알 길 없는 인서트컷들까지 모이면 <세계의 욕망>에 영화 안과 바깥이란 아예 없다. 영화와 현실이 서로 섞여들어가는 과정이 생기는 것이다. 즉, <세계의 욕망>에는 중심적인 이미지가 있고 나머지 인서트 이미지가 있는 게 아니라, 모조리 차등없는 인서트 이미지들의 조합만 있다. 이미지의 경중이 없다. 그럼으로써 이미지가 해방된다. 아핏차퐁 위라세타쿤은 편집의 작가이다. 그 창조적인 배열 방식으로 이미지의 해방감을 가져오는 독창적인 시네아스트다. <세계의 욕망>은 단지 몇개의 배열 요소만으로 어떻게 그것이 가능한지를 보여주는 영화 비기에 가깝다. 이 영화 한편 덕에 여섯 번째 ‘디지털 삼인삼색’ 프로젝트는 가치를 갖는다.

<혼몽>

<마법사(들)>

아시아 디지털 영화의 미래를 낳는다 ‘디지털 삼인삼색’은 올해로 6회째를 맞은 전주국제영화제가 첫해부터 시행해온 주요 프로젝트다. 일찍부터 디지털영화의 가능성에 대해 주목했던 전주국제영화제는 아시아 각국의 세명의 감독을 모아 중편영화 세편을 만들어내도록 기회를 제공했던 것. 그동안 로카르노영화제, 밴쿠버영화제 등 해외 영화제 진출의 활로를 넓혔고, 2003년부터 2005년까지의 작품들을 모아 DVD 박스로 출시한다는 계획도 갖고 있다. 그리고 6회째 행사에 이르러 극장 개봉까지 하게 된 것이다. 참여한 감독만 총 18명인 그동안의 ‘디지털 삼인삼색’, 과연 완성된 영화들은 어떤 것들인가? 제1회 김윤태의 <달 세뇨>, 장위안의 <진싱 파일>, 박광수의 <빤스 벗고 덤벼라>로 시작한 이후 2회에는 지아장커의 <공공장소>, 존 아캄프라의 <디지토피아>, 차이밍량의 <신과의 대화>가 만들어졌고, 3회에는 ‘전쟁, 그 이후’라는 공통적인 화두를 두고 왕샤오솨이의 <설날>, 문승욱의 <서바이벌 게임>, 스와 노부히로의 <히로시마에서 온 편지>가 완성됐다. 4회부터는 다시 자유 주제를 놓고 아오야마 신지의 <처마 밑의 부랑자>, 박기용의 <디지털 探索>, 바흐만 고바디의 <다프>, 5회에는 봉준호의 <인플루엔자>, 유릭와이의 <마지막 춤을 나와 함께>, 이시이 소고의 <경심>이 만들어졌다. 그동안 몇개의 대표작도 나왔다. 우선 지아장커의 <공공장소>. 디지털영화의 미학을 믿는 지아장커는 이 영화에서 개인이 아닌 군중을 통해 현대 중국사회를 보여준다는 작정을 했고, 불안정한 중국의 분위기를 거친 디지털의 질감으로 담아냈다. 한편, 3회에 만들어진 스와 노부히로의 <히로시마에서 온 편지>는 역사에 대한 관점과 영화적인 형식이 어우러진 결과물이었다. 영화는 스와 노부히로 감독의 부탁으로 영화 출연을 위해 일본으로 한국 배우 김호정이 건너간다는 내용으로 시작한다. 스와 노부히로 감독 자신의 시점과 한국 배우 김호정의 시점을 따라 한·일 양국의 과거를 되돌아본다. 히로시마의 역사를 어떻게 영화에 담아낼 것인가를 둘러싸고 감독과 배우의 시점이 교차하는 흥미로운 영화다. 4회에는 아랍지역의 대중적인 타악기 다프와 그것을 만들어 파는 음악가의 가족을 중심으로 현실의 아픔을 전한 바흐만 고바디의 <다프>가 주목할 만했다. 5회에는 봉준호의 <인플루엔자>가 독특했다. 캠코더, CCTV 등등 사회 도처에 널려 있는 이미지들을 모아 한 인간 조혁래의 가상 다큐멘터리가 만들어지는 것. 개인과 사회의 문제를 짚어낸 작품이기도 했다. 6회의 대표작은 말할 것도 없이 아핏차퐁 위라세타쿤의 <세계의 욕망>. 제작비 5천만원에 30분 분량의 디지털영화. 아시아의 감독들은 이 작은 제한만 받아들이면 얼마든지 화두를 풀어낼 기회를 제공받는 셈이다.

글: 정한석<mapping@cine21.com>

전주영화제의 발견2: 디지털 장편영화 [5] - <브레인 웨이브>

충무로 밖에서 만든 SF스릴러 <브레인 웨이브>

수술당했다! 그것도 뇌수술이다!

신태라 감독은 8년 전 서울역에서 이런 전단을 받은 일이 있다. “저는 실험을 당했습니다. 그때부터 내 몸이 이상해졌고, 환청도 들립니다. 난 감시당하고 있습니다. 제발 도와주세요.” 전단 돌리던 남자를 찾아보려 했지만, 그는 감쪽같이 사라지고 없었다. 그는 미친 걸까? 그가 제정신이라면, 진실을 말하고 있는 거라면, 어떻게 해야 하나? 그는 실제로 모종의 사건을 겪었고, 알 수 없는 거대한 힘에 휘둘려 고통받고 있는지도 모른다. <브레인 웨이브>는 이처럼 언뜻 떠오른 음모론에서 꼬리에 꼬리를 문 상상으로 태어난 SF영화다.

영화는 거리의 화가 준오가 엽기적인 연쇄살인사건에 연루되면서 시작된다. 살인사건을 수사하던 형사들은 사건 현장에서 발견된 지문이 준오의 것이라는 사실을 발견하고 준오를 취조하지만, 엄청난 두통과 청각장애를 앓던 준오는 자신에게 비상한 초능력이 있음을 깨닫고 혼란스러워한다. 준오는 자신이 특수한 뇌파 조절 능력을 갖게 된 유래를, 잃었던 기억을 더듬어 찾아나가면서, 거대한 음모와 마주하게 된다. <브레인 웨이브>는 특수한 능력을 지녔지만, 사회적으로 약한 소수자들이 거대한 권력 혹은 이익 집단에 희생당한다는 이야기를 SF스릴러의 틀 속에서 풀어낸 작품이다. 저예산 독립영화라는 한계 속에서 다양한 기술적 실험과 장르 교배를 시도하고 있는데, 간간이 만화적인 상상력이 피어나기도 하고, <터미네이터> <헐크> 등 할리우드 블록버스터와 <쉬리> <살인의 추억> <넘버.3> 등 한국영화들을 연상케 하는 요소들이 출몰하기도 한다. 3월 중순까지 촬영하고 빠듯하게 후반작업을 마쳐 선보여야 했던 까닭에 에필로그를 촬영하지 못했고, 사운드를 비롯해 손 볼 곳이 아직 많다고, 신태라 감독은 아쉬움을 내비친다. <앤드로피아> <E.L> 등 단편 시절부터 꾸준하게 SF에 대한 남다른 애정과 소신을 펼쳐 온 그의 장편 데뷔작 <브레인 웨이브>는 만듦새에 있어선 아쉬움이 남긴 해도, ‘시스템 밖에서 장르영화 만들기’라는 시도만으로도 평가받을 만한 작품이다.

신태라 감독 인터뷰 “속편은 더 큰 규모가 될 것이다” -기획 8년 만에 만든 작품이다. 왜 그렇게 오래 걸렸나. =시나리오를 보강하고, 기술적인 경험을 쌓아야 했다. 제작비가 없기도 했고 현장 경험이 필요하다고 판단해서, <야생동물 보호구역> 녹음 조수로 시작해서 <내 남자의 로맨스> 현장편집, <철수♡영희> 편집까지 했다. -제작비는 얼마나 들었나. =1천만원 후반대다. 지원받은 건 없고, 사비를 들였다. 개런티 없이 도와준 스탭 배우들이 없었으면 불가능했을 거다. 원래 혼자서 만들어볼 생각이었는데, 충무로 현역 스탭들이 같이 하겠다고 나서 주었다. 가난해서 그렇지, 시스템은 여느 상업영화 부럽지 않았다. -그러면 초능력자의 공격을 받고 날아오르는 특수효과는 어떻게 냈나. =와이어는 못 썼고, 배우들이 직접 스턴트를 했다. 이동차 위에 의자를 올려 배우를 앉히고 밀면서 찍은 다음에 뒷배경은 컴퓨터로 지웠다. 후반작업 시간이 충분하지 않아서 편집이나 CG가 많이 부족했던 것 같다. -황규덕 감독(<철수♡영희>)이 디지털영화를 만드는 데 영향을 끼쳤다고 알고 있다. 디지털 전도사가 된 이유가 있다면. =처음부터 비디오로 영화를 시작해서 친숙하고, 컴퓨터나 기계를 워낙 좋아한다. 좀 이상한 체질인데, 필름을 만지면 몸에 뭐가 난다. 필름에 알레르기가 있다. -단편 시절부터 SF에 매진해왔다. 독립 제작에 한계가 많은 장르를 고집하는 이유는. =SF 마니아는 아니다. SF 소설도 영화도 즐겨 보지 않았다. 그런데 컴퓨터, 기계, 로봇, 이런 걸 워낙 좋아하고 가까이 접하다보니 그런 요소가 내용과 형식으로 드러나는 장르를 만들어보고 싶었다. 멜로 같은 다른 장르는 못 만들기도 하고. -원래 음모론에 관심이 많았나. =길에서 전단 돌리던 남자를 보고 떠올린 이야기다. 우리 주변의 누군가는 보이지 않는 권력에 이용당하고 희생당했을 수 있다. 그 약한 소수에 대한 이야기를 하고 싶었다. -<헐크> <터미네이터> <쉬리> <살인의 추억>이 떠오르는 대목들이 있었다. =실제로 그 작품들에서 영향을 많이 받았다. 할리우드 스타일의 장르영화를 만들어보고 싶었고, 앞으로도 계속 도전해볼 생각이다. 장르영화의 문법에 맞추려고 노력했고, 내가 좋아한 영화들에 대한 오마주, 패러디로 의도한 부분들도 있다. -‘to be continued’로 속편을 암시했다. 이미 구상을 마친 모양이다. =우수한 뇌파 조절 능력을 지닌 하이브레인들이 더 많이 등장하는 이야기다. 그들을 실험하고 관리한 연구소도 정체를 드러내게 될 것이다. 속편은 제작 지원을 받아서, 더 큰 규모로 만들어보고 싶다.

글: 박은영<cinepark@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/park6455)
사진: 정진환<terran61@cine21.com>

전주영화제의 발견2: 디지털 장편영화 [4] - <책을 읽거나…>

500만원으로 만든 초저예산 호러 <책을 읽거나 비둘기 모이주기>

산장에서 벌어진 섬뜩한 괴담

정강우 감독은 평소 막걸리를 마시면서 소일하다가 꿈에서 영화의 소재를 얻곤 한다. 그의 첫 번째 장편영화인 <책을 읽거나 비둘기 모이주기>도 꿈에 나온 영화였지만, 이번엔 스토리가 아니라 제목만 하나 떠올랐다. 천사가 그녀와 섹스한 진짜 이유는. 너무 직접적이고 재미없는 듯하여 제목을 바꾼 <책을 읽거나…>는 정강우 감독이 그 진짜 이유를 만들고 몇 가지 에피소드를 덧붙여 500만원이라는 초저예산으로 완성한 영화다. 소박한 발상과 규모지만 드문드문 던져진 단서와 조각난 플래시백을 조합해 단숨에 풀어헤치는 솜씨는 소박하지가 않다.

영화는 폭설 때문에 길이 끊긴 산장에서 진행된다. 고등학교 동창 영미와 지혜는 산장에서 하룻밤을 묵고 아침에 떠나려고 하지만, 옆방 남자가 위험하다며 말려서 눈이 녹을 때까지 기다리기로 한다. 무심코 현관을 열어본 지혜는 죽은 애인과 똑같이 생긴 알몸의 남자가 쓰러져 있는 걸 발견하고 그를 방 안에 들인다. 자기가 천사라고 주장하는 이상한 남자. 옆방 남자 인기 또한 이상하다. 검은 옷을 입은 무표정한 여자 오키와 함께 있는 인기는 박달나무 몽둥이를 들고 다니며 남모르게 몽둥이 잡은 손에 힘을 주곤 한다. 지혜의 방에 남아 있는 핏자국, 치사량의 수면제를 샀던 오키와 인기, 사라져버린 또 한명의 여자. 산장에 갇힌 네 사람의 비밀은 조금씩 섬뜩한 괴담이 되어간다.

지금까지 일곱편의 단편을 만든 정강우 감독은 “없는 살림을 규모있게 하다보면” 얻게 되는 알뜰한 노하우로 첫 번째 장편을 완성했다. 멜버른영화제에 초청된 단편 <돼지멱따기>가 제작비 1천만원과 스탭 20명이 투입된 성과였다는 점을 생각하면 소박하기 그지없는 규모. 스탭과 배우를 더해 단 열명이 이 영화를 위해 동원된 인력 전부다. 조명도 거의 쓰지 못한 정강우 감독은 만약 제작비가 풍족했다면 <델리카트슨 사람들>처럼 미술에 공을 들이고 싶었다고 했다. 그러나 정강우 감독은 자본 대신 관습을 좇지 않겠다는 고집과 심각한 소재를 천연덕스럽게 풀어내는 독특한 스타일을 가지고 있었다. <책을 읽거나…>는 두쌍의 숙박객에게 각각 반전을 주고, 그 반전을 모아 또 한번의 반전을 만들지만, 놀라움을 강요하는 대신 싸늘한 여운과 웃음을 남긴다. 이 영화를 찍다가 자식처럼 키우던 비글 순이와 탄이를 산장 주변 국도에서 교통사고로 잃은 정강우 감독은 영화를 거의 포기할 뻔했지만 이들을 위해서라도 완성해야만 했다고 한다. 다행이다. 감독의 말대로라면 이 영화는 “볼 게 거의 없는 영화”고, 쌍둥이 같은 산장의 방 두개와 인물 넷을 생각하면 동의하게 되지만, 이상하게도 보는 내내 딴생각을 할 수가 없다.

정강우 감독 인터뷰 “디지털이 아니라면 언제 이런걸 해보겠나” -영화를 전공하지 않았는데 어떻게 영화를 시작하게 됐나. =어렸을 때부터 영화를 하고 싶었다. 정보통신회사에 다니다가 서른살에 그만두고 박철수 필름아카데미에서 1년을 공부했다. 그뒤 <봉자> 연출부로 일했던 게 시작이었다. 지금까지 조감독이나 감독 제의를 몇번 받기는 했지만 마음에 맞지 않는 영화로 서둘러 시작하고 싶지 않아서 혼자 영화를 만들고 있다. 난 영화 만드는 게 재미있다. 앞으로도 계속 재미있었으면 좋겠다. -제작비가 정말 적게 들었다. 처음부터 500만원으로 예산을 세웠던 건가. =단편을 만들 때부터 예산이나 제작기간을 초과하지 않는 편이다. 이번엔 약간 차질이 생겨서 강원도 횡성에 갔더니 눈이 오지 않는 거다. 실내장면만 찍고 기다리다가 2월 중순에 충북에 폭설이 내렸다기에 산장 외부 장면을 그곳에서 찍었다. 배우들도 모두 평소 술마시면서 함께 놀던 사람들이다. 술마시다가 이사람들하고 영화 찍으면 되겠구나 싶어서 실제 인물을 모델로 시놉시스를 쓰고 몇명을 덧붙였다. -대화하는 장면이나 식탁에 둘러앉아 있는 장면을 찍는 방법이 독특하다. =이 영화는 볼 게 거의 없어서(웃음) 긴장을 유지하는 게 중요했다. 사람들은 컷을 나누는 관습적인 방식에 익숙해져 있다. 이제 다른 사람으로 넘어갈 때가 됐는데 계속 한 사람만 찍고 있으면 뭐가 있지 않을까 싶어서 긴장하게 될 것 같았다. 식탁장면은 거의 7분에 달한다. 비슷하게 찍으면 지루할 것 같아서 내가 카메라 들고 마이크를 붙이고 가운데 서서 계속 돌았다. 모험이었지만 디지털영화가 아니라면 언제 이런 걸 해보겠나 싶었다. -관객 중에 반전을 이해하지 못한 사람도 있었는데. =원래는 날짜를 알려주는 자막도 없었다. 편안하게 볼 수 있도록 설명을 넣기는 했는데 100명 중에 한두명 정도 놓치지 않았을까 한다. 사실은 영화 만드는 사람 중에서도 예전 단편 <몽유>의 반전을 이해하지 못한 사람이 있었다. (웃음) 하지만 관객과 함께 영화를 보면서 굉장히 기분이 좋았다. 반전이 드러나는 대사가 나오자 관객이 술렁이더라. 옆사람과 이야기도 하고. 나는 그렇게 사람들이 대화하고 소통할 수 있는 영화를 만들고 싶었다.

글: 김현정<parady@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/parady)
사진: 이혜정<socapi@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/gaun)

전주영화제의 발견2: 디지털 장편영화 [3] - <다섯은 너무 많아>

사회에서 낙오된 네 남녀의 대안가족 드라마 <다섯은 너무 많아>

착한 뻥쟁이들의 영화

늦은 밤 집으로 들어온 엄마가 배가 고프다며 뭔가를 먹고 있다. 입에 국수 자락을 문 채로 고개를 돌리는 엄마의 얼굴이 공포영화의 괴물처럼 기괴하다. 순간 비명을 지르며 도망가는 아들, 그뒤를 플래시맨처럼 달려 쫓아가는 엄마. 다행이다. 꿈이었다. <다섯은 너무 많아>의 첫 장면은 소년 동규의 꿈에서 시작된다. 그에게 엄마는 낯설고 공포스런 존재다. 피를 나눴다는 이유로 무조건 희생과 사랑을 베풀어야 하는 가족의 굴레가 그에겐 답답하다. 뛰쳐나왔지만, 아직 홀로 설 수 없는 그는 누군가에게 기댈 수밖에 없다.

<다섯은 너무 많아>는 가출 청소년, 불법 체류자, 파산한 자영업자, 처녀 가장 등 사회의 주변부로 밀려난 이들이 대안가족을 이루는 이야기다. 가출한 동규는 생활비를 벌기 위해 일회용품 사용 업소를 단속하는 ‘환파라치’가 되기로 한다. 인근 도시락집을 타깃으로 정한 그는 점원 시내와 승강이를 벌이다 그의 집에 얹혀살기 시작한다. 몇달째 월급을 받지 못한 옌볜 처녀 영희의 딱한 사정을 접한 시내는 그를 거두기로 하는데, 파산한 영희의 고용주까지 시내의 자취방으로 흘러들면서, 네 남녀의 기이한 동거가 시작된다.

안슬기 감독의 표현을 빌리면, <다섯은 너무 많아>는 “외로운 사람들이 서로 바라보고 기대는 연대드라마”다. 동규 역의 배우 유형근은 다른 표현으로 “착한 뻥쟁이들의 영화”라고 소개한다. 자기 자신의 가치와 삶의 희망을 잃어버린, 아니 박탈당한 이들이 한눈에 서로를 알아보고 보듬는 이야기. 사회의 그늘에 옹기종기 모여앉은 인간 군상의 이야기는 자칫 무겁고 어두워질 수 있지만, 감독은 역설적으로 이들의 슬픔과 아픔을 발랄하고 유쾌하게 풀어냈다. 엄마가 기괴하게 등장하는 꿈이나 적들에게 복수하는 에피소드처럼 톤이 튀는 판타지 요소들이 아니더라도, 영화는 그 자체로 사람에 대한 희망을 놓지 않는 현실 속의 판타지이고 성인들의 동화다. 실제로 이런 공동체가 어디 있을까마는 이런 가족 판타지의 위무가 필요할 만큼 각박한 세상에 우리가 살고 있는 것이다.

안슬기 감독 인터뷰 “학교에선 감독, 밖에선 선생으로 통한다” -학교 교사이면서 벌써 여러 편의 중·단편을 만들었고, 이제 장편 데뷔도 했다. =극장으로 교외 지도 나가던 아버지 따라다니다 영화에 빠졌다. 아버지 권유로 수학 교사가 됐지만, 이런저런 영화제작 학교에 다니다 1999년부터 영화란 걸 만들기 시작했다. 특별히 교사라서 어려운 건 없다. 영화제작반 애들이 모니터도 해주고, 동료 교사들도 많이 양해해준다. 그런데 이상하게 학교에선 ‘안 감독’으로, 밖에선 ‘안 선생’으로 불린다. -추운 겨울에 달동네에서 시간에 쫓기며 촬영했다고 들었다. =1월에 20일 동안 촬영했다. 초반에 윗집에서 불나고, 아랫집에 이사 들어오고 해서 스탭들이 나서서 돕기도 했지만, 일정에 차질이 생겼다. 추운데 잠도 못 자고 모두들 고생이 많았다. 좁은 자취방이 주무대라서 힘든 점도 있었다. 주연 넷에 조연 둘까지 가세한 장면은 우리끼리 몹신(군중신)이라고 불렀다. -대안가족 이야기면서, 마이너리티 이야기다. =그렇다. 주인공들의 적이 되는 이들도 메이저는 아니다. 마이너끼리 서로 상처를 주고받는 셈이다. 다른 점이 있다면, 반대편에 선 이들은 이재에 밝아서 남을 착취하는 자본주의적 인물이라는 점이다. 그래서 그들을 응징하고 싶었달까. -가족을 떠나 새로운 가족을 꾸린 이들의 삶은 어떻게 달라질까. =동규의 성장드라마처럼 보이지만, 가족에서의 그의 위치는 달라지지 않았다. 혁명적 대안가족은 아닌 셈이다. 혈연 관계가 없는 이들과 함께 가족의 형태로 살면서, 새로운 가족 구성원으로 안착한 것이다. 고지식하게 말하면, 나는 가족의 구심점인 시내에게 자유를 주고 싶었고, 그래서 각자의 길을 가게 했다. 관계에 대한 믿음은 간직한 채로. -엄마에 대한 꿈이나 복수장면은 판타지의 느낌이 두드러진다. =꿈은 영화를 구상하면서, 가장 먼저 떠올린 이미지라 스탭들의 반대에도 불구하고 남겨두었다. 나랑 다른 존재에 대한 공포, 생경함을 형상화한 것이고, 동규의 가출 원인이기도 한다. 복수도 워낙 튀는 사건이기 때문에 유치해 보이더라도 재미나게 표현하고 싶었다. -<마이 제너레이션>에 사채업자로 출연했다. 그 장면을 이 영화에 음향으로 삽입했던데. =나도 출연 좀 해보려고 그랬다. (웃음) 사실 캐스팅이 안 돼 직접 출연할 생각을 한 적도 있었는데, 장편 연출이 처음이라 부담스러웠다. 극장장면이 필요한데, 마땅히 넣을 영화가 없어서 친분이 있는 노동석 감독에게 양해를 구했다. -영진위 제작지원작이지만 독립적으로 장편을 제작하기가 수월치 않았을 텐데. =영진위에서 1900만원을 받았고, 나머지 제작비는 학교 선생이라는 직업 덕에 은행에서 대출을 받아 조달했다. 자금이 넉넉지 않은 까닭도 있지만 워낙 소박한 영화이기도 하고, 연기연출이나 세팅을 고려하면 디지털일 수밖에 없었다. 영화를 만드는 건 어차피 사람이 움직이는 일이기 때문에 매체가 무엇이든 다 똑같이 힘든 일 같다. 장편이라서 극장 개봉을 염두에 두고 만들었지만, 배급 통로가 다양하지 못해서 고민이다.

글: 박은영<cinepark@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/park6455)
사진: 이혜정<socapi@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/gaun)