[현지보고] 3D애니메이션, 드림웍스의 <마다가스카> 미리보기

도시동물의 서바이벌 아프리카

아프리카 대륙의 남동쪽에 위치한 섬 마다가스카(Madagascar). 세상 어디에도 존재하지 않을 것만 같은 섬의 이름은 드림웍스가 내놓을 새로운 3D애니메이션의 제목이다. 그러나 <마다가스카>를 보기 위해 마다가스카로 갈 수 있는 것은 아니었다. 지난 4월8일(현지시각)에 ‘일부’ 공개된 <마다가스카>를 보기 위해서는 LA에서 털털거리는 작은 비행기로 갈아타고 1시간여를 더 날아야만 했다. “여러분, 우리는 곧 산호세에 착륙할 예정입니다.” 눈밑으로 펼쳐지는 것은 첨단공학의 세계인 실리콘 밸리. 드림웍스의 PDI 스튜디오는 숲과 강과 오피스 빌딩이 드문드문 섞여 있는 미래 도시에 비밀처럼 숨겨져 있는 것이다.

캘리포니아의 실리콘 밸리에서 만들어진 아프리카의 어느 섬 이야기는, 뜻밖에도 뉴욕으로부터 시작된다. 풍족한 먹을거리와 세심한 배려로 여유로운 도회지 생활의 모든 것을 누릴 수 있는 센트럴 파크의 동물원. 사자 알렉스(벤 스틸러), 얼룩말 마티(크리스 록), 기린 멜먼(데이비드 시머)과 하마 글로리아(제이다 핀켓 스미스)는 여느 뉴요커처럼 살아가는 전형적인 여피-동물이다. 다만 권태로운 삶을 사는 현대인, 아니 현대동물들은 일탈을 꿈꾸기도 하는 법. 얼룩말 마티는 남극으로 도피를 시도하는 사이코 펭귄 갱단을 따라 ‘야생’을 찾으러 길을 떠나고, 남은 3명의 친구는 마티를 찾아 동물원으로 귀환하기 위해 거리로 나선다. 갑자기 나타난 야생동물들로 인해 뉴욕 시민들은 혼비백산하고, 그랜드 센트럴역에 집합한 주인공들은 곧 인간들에게 생포된다. 진짜 문제는 인간들의 엇나간 정치적 공정성에서 비롯되고 마는데, 야생동물들을 고향으로 보내라는 동물보호론자들의 여론몰이로 인해 4명의 친구들은 그만 아프리카 어딘가로 보내지고 마는 것이다. 그들은 과연 약육강식의 세계에서 온전히 살아남을 수 있을까. 여기서 화면은 멈추어버렸다. 그순간 전세계 기자들이 몰려든 PDI의 시사실은 원망 섞인 한숨으로 가득 찼다. 진짜 모험이 시작되는 순간에 툭 끊어져버리는 영화를 보는 것은 기자들에게도 쉬운 일은 아니었던 것이다.

최첨단 3D기법으로 살려낸 복고풍 스타일

가장 궁금했던 것은 ‘<마다가스카>가 3D애니메이션이 나아갈 새로운 진화를 얼마나 보여줄 것인가’ 하는 점이었다. 40분가량의 전반부를 훔쳐본 것만으로 <마다가스카>의 전모를 가늠하기란 쉽지 않았다. 다만, 한나절 동안 이어진 라운드 테이블 인터뷰에서 ‘카투닉’(Cartoonic: 만화 같은)이라는 단어가 끊임없이 귀에 들어왔다. “<슈렉>은 아름답고 완벽한 이미지를 구현하지만, <마다가스카>는 좀더 그래픽적이고 카투닉하다.”(켄달 크록하이트, 새넌 제프리스/프로덕션디자이너) “<슈렉>은 스타일리시했고, <마다가스카>는 좀더 카투닉하게 표현된 것이다.”(필리페 기럭만, 스캇 싱어/비주얼 이펙트) <마다가스카>의 스틸만 본 사람들은 이 애니메이션이 2D로 만들어진 것인지 3D로 만들어진 것인지 한눈에 분간하기가 어려울 것이다. 그도 그럴 것이, <마다가스카>의 캐릭터들은 ‘최대한 실사에 가깝거나, 실사를 지향하는 기술적 발전’에 심혈을 기울였던 전작들과는 조금 차이가 있기 때문이다.

<마다가스카>의 캐릭터들은 몇개의 선으로 스케치북에 북북 그어서 그린 듯 간결한 모양을 지녔고, 온몸을 자유자재로 움직이며 충만한 만화적 자유를 과시한다. 여기서 주목할 만한 기법은 ‘스트래치 앤 스쿼시’(Stretch & Squash). 이것은 캐릭터의 동작이 순간적으로 최대한 크게 뻗었다가 최소한으로 오므라들도록 만드는 것으로, 2D애니메이션의 캐릭터들이 구사하는 액션의 자유와 극단적인 감정변화를 3D애니메이션에 접목시킨 것이다. 마치 워너브러더스의 카툰 캐릭터처럼 <마다가스카>의 동물들은 신체구조에 개의치 않는 과장된 움직임을 보인다. 자연스레 전반적인 그림체 역시 50∼60년대 만화 스타일을 염두에 둔 복고풍이며, 이같은 스타일의 자유를 이용해서 PDI는 <슈렉> 시리즈로 절정에 이른 팝컬처적인 감수성을 마음껏 과시한다. 특히 사자 알렉스가 마취총에 맞는 순간 화면이 마술경처럼 분할되며 60년대 사이키델릭 영화의 재간을 흉내내는 (약물 중독적인)순간은 전반부의 백미 중 하나다. 제작진은 기술적인 발전이 일종의 한계에 다다랐다면 스타일의 변화로 그를 극복하려 하는 것으로 보였다. 비주얼 이펙트를 맡은 스캇 싱어의 말처럼 “<슈렉>으로부터 기술적인 요소들이 획기적으로 바뀐 것이 아니라 한 단계 업그레이드된 것”이다.

드림웍스의 호화캐스팅은 계속된다

드림웍스가 픽사나 이십세기 폭스의 스카이 스튜디오보다도 더욱 주력해온 호화 캐스팅은 <마다가스카>에서도 여전하다. 벤 스틸러, 크리스 록, <프렌즈>의 데이비드 시머, <매트릭스>의 제이다 핀켓 스미스가 그들의 스타덤을 흥겹게 재활용했고, 특히 크리스 록이 목소리를 담당한 얼룩말 마티는 배우의 이미지에 맞도록 애초의 캐릭터를 일부 수정하기도 했다(기린 멜먼은 기이할 정도로 데이비드 시머의 원초적인 캐릭터와 흡사하다). 하지만 드림웍스가 애용하는 화려한 스타들의 목소리 출연이 3D애니메이션의 생명줄을 갉아먹는 모종의 함정으로 작용할 수 있지는 않을까 하는 염려어린 질문에 프로듀서들은 자신에 찬 어조로 답변했다. “결코 그렇게 보지 않는다. 모든 관객이 단지 톰 크루즈를 보기 위해 <제리 맥과이어>를 본 것은 아니지 않은가. 자신의 영역에서 최고의 기량을 자랑하는 배우들을 캐스팅하는 경우에 빅스타 캐스팅이 큰 문제가 되는 것은 아니라고 생각한다.”

하루 종일 진행된 인터뷰는 기술자들의 공학적인 언어로 가득 차 있었다. 기술자인 동시에 예술가이기도 한 감독들(톰 맥그래스와 <개미>의 에릭 다넬)을 만난 자리에서 별안한 느슨한 질문이 튀어나왔던 것도 그에 대한 반작용이었다. “왜 하필 마다가스카인가?” 감독들은 웃으면서 답변을 내놓았다. “그냥 아프리카로 설정하면 식상했을 것이다. 그래서 마땅한 장소를 물색하던 중 마다가스카르 섬을 떠올리게 되었다. 대부분의 사람들은 마다가스카르가 실존하는 섬인지조차 모르고 있고, 사람들의 무지를 이용하면 마다가스카르를 우리가 원하는 상상 속의 장소로 만들어낼 수 있을 거라 생각했다.” 테이블에 앉은 감독들의 뒷벽에는 앙리 루소의 정글 그림이 걸려 있었다. 100여년 전 프랑스 어딘가에 살았던 초현실주의 화가의 비전이 실리콘 밸리의 최첨단 오피스 건물 속에서 되살아난 것이다. 그렇다면 <마다가스카>는 3D애니메이션 산업이라는 약육강식의 정글 속에서 드림웍스가 꾸는 새로운 꿈일까. <마다가스카>는 오는 5월27일 전미 개봉을 거쳐, 7월15일이면 한국에서도 숨겨진 모습을 드러낼 예정이다.

PDI와 글렌데일 스튜디오 왜 드림웍스는 두개의 3D애니메이션 스튜디오를 소유하고 있는가? 지난해 공개된 <샤크>는 LA에 자리한 드림웍스 본사(글렌데일 스튜디오)에서 만들어진 최초의 드림웍스 애니메이션이었다. 왜 드림웍스는 픽사에 맞먹을 만한 기량을 지닌 PDI 스튜디오를 제쳐두고 글렌데일 스튜디오를 창립한 것일까. 혹시 PDI 스튜디오도 디즈니로부터 독립하려는 픽사처럼 드림웍스로부터 독립을 생각하고 있는 것은 아닐까. 해답은 의외로 간단하다. PDI는 픽사처럼 하나의 독립된 스튜디오가 아니다. <마다가스카>의 테레사 청 프로듀서에 따르면 “드림웍스가 PDI를 소유하는 형태로 4 대 6의 지분구조를 가지고 있으며, 결국 글렌데일과 PDI는 모두 드림웍스가 소유하고 운영하는 스튜디오”인 것이다. 드림웍스가 두개의 스튜디오를 따로 운영하는 이유는 자체적 경쟁력을 증가시키기 위해서다. 드림웍스는 두 스튜디오의 고급인력을 고루 사용할 수 있으며, 자연히 만들어진 스튜디오간의 경쟁을 이용해 역량을 키워나갈 수도 있다. 3D애니메이션의 황태자로 군림하고 있는 픽사에 대응하기 위한 후발주자의 전략인 셈이다.

글·사진: 김도훈<groove@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/yaroslav)

만화가 정훈이를 만나다 [1]

<씨네21> ‘만화 vs 영화’ 연재 열돌 맞는 만화가 정훈이 인터뷰

10년을 한결같이, <씨네21>의 골키퍼, 정훈이

‘마지막 춤은 나와 함께’라는 제목의 노래도 있고 소설도 있지만, 바람 잦은 인생에서 마지막 춤 따위를 감히 누구와 기약할 수 있으랴. 그래도 <씨네21> 열살 생일 축하파티의 첫 번째 춤만큼은 꼭 이 남자와 추고 싶었다. 편집장이 네번 바뀌는 동안에도 두 페이지의 텃밭을 한결같이 장악해온 행복한 영주, 그의 만화 때문에 잡지를 산다는 독자들의 쇄도하는 고백에 어느 감독이나 평론가보다 <씨네21> 기자들이 질투하는 만화가 정훈이가 그 사람이다. 1995년 <영챔프>가 주관하는 제2회 신인만화 공모전에서 수상해 <씨네21> 제9호에 인터뷰가 실린 것을 인연으로, 정훈이 작가는 <씨네21>에 기고하기 시작했고 1996년 초 본격적인 매주 연재에 돌입해 500호를 눈앞에 두고 있다. 24장의 프레임으로 1초를 이루는 영화를 닮았는지, 스물세칸 내지 스물다섯칸에 걸쳐 하나의 이야기를 빚어내는 그의 만화는 자칭타칭 <씨네21>의 ‘전원일기’가 됐다. 통상 패러디로 불리지만 매서운 조롱이나 독설의 기운은 ‘정훈이 만화’에 없다. 봄날의 양지처럼 따사롭고 유유자적한 ‘정훈이 만화’의 세계는 그냥 영화의 친구다. 그는 굳이 영화를 해석하거나 뒤집으려고 애쓰지 않는다. 영화 옆자리에 쭈그리고 앉았다가 가끔씩 수작을 걸며 나름대로 즐거운 마을을 가꾸어갈 뿐이다. 일산에 자리한 정훈이 작가의 호젓한 작업실을 찾아 조그만 10주년 생일 케이크의 촛불을 함께 끄고 긴 티타임을 나누었다.

-<씨네21> 연재만화가 10년을 채울 수 있을 거라는 예감을 언제부터 품었나.

=처음에는 5년만 하자 마음먹었는데 훌쩍 흘러갔다. 10년을 넘기면 집착이고 노망이다 싶었는데 어느새 10년이다. 10년 동안 제일 꾸준히 들었던 이야기는 “요새는 재미없더라”는 말이다. (웃음) 타석에 들어서는 타자 같다. 안타치는 날도 삼진당하는 날도 있는 게 인생이지 생각한다.

-창간 초기 마감을 끝내고 사무실을 나가다보면 초췌한 얼굴로 만화 원고를 들고 온 당신과 엇갈리곤 했다. 10년의 마감 사연도 파란만장하겠다.

=연재 초기에는 경남 창원에 살았기 때문에 월요일에 그려서 화요일에 특급우편으로 원고를 부쳤다. 그런데 언젠가 술 먹고 놀다가 화요일에 원고를 못 보내고 말았다. 다급히 아버지께 고하고 비행기 값을 얻어 수요일 아침에- 오후 6시에 편집실 닫는 줄 알고- 서울행 비행기에 올랐다(덕분에 비행기도 처음 탔다). 점심 무렵 한겨레신문사에 도착하니 담당인 오은하 기자가 “어머, 뭐 이렇게까지 안 하셔도 되는데”라고 어쩔 줄 몰라하며 목요일에 받아도 된다는 충격적 사실을 누설했다. 그뒤로는 목요일 6시까지 원고를 납품했는데 조금씩 데드라인의 정체를 알면서 마감이 늦어졌다.

-다 완성해놓고 망친 경우도 있나.

=거의 다 그려놓고 이야기가 꼬인 걸 깨달을 때는 미련 갖지 못하게 아예 지워버린다. 컴퓨터가 느리던 시절에는 완성해놓고 저장을 완료하지 않은 채 잠들어서 사고가 난 적도 있고 일어나보니 기남이 얼굴이 까맣게 칠해져 있기도 했다.

-10년 동안 딱 두번 연재를 펑크냈다.

=<트러블 삼국지>로 사흘 밤 새고 <씨네21>을 마감하던 날 작업이 잘 안 풀려서 책상에 쓰러져 좌절한다는 것이 그냥 잠이 들었다. 아침 새소리에 눈을 떴다. 죄송해서 그냥 “마감하다 쓰러졌다”고만 말했는데 마침 오은하 기자도 과로로 쓰러지는 바람에 <한겨레노보>가 “만화가와 담당기자 같이 과로로 기절”이라고 이슈화했다. (웃음) 다음주 마감 때 찾아가니 기자들이 모두 다정히 걱정해줘서 가끔 펑크낼 만하다 싶었다. 두 번째는 2004년 3월 노 대통령 탄핵사태가 있던 주였다. 도저히 마감 못하겠다고 미리 통보하고 집회에 나갔다.

정식 만화 수업 대신 ‘나홀로 수련’

<무사>

-서울에서 태어났지만 창원에서 주로 성장했다. 어떤 도시였고 어떤 유년기였나.

=6살 때 이사간 창원은 전국 각지 사람이 모여든 공단도시였다. 도로부터 쭉쭉 뻗은 계획도시라 평양을 배경으로 한 드라마의 무대가 되기 일쑤였다. 어려선 뛰어놀기를 하도 좋아해서 고등학교 때까지 아주 날씬했다. 장래희망을 어른들이 물으면 아버지 소망대로 “검사요” 했지만, 뒤돌아서서는 “과학자 돼서 태권브이 만들어야 하는데!”라고 독백했다. 한동안 육군사관학교를 선망했지만 중·고등학교도 남학교를 다닌 터에 대학교는 남녀공학을, 그것도 여학생 많은 학교를 가야지 사관학교가 웬말인가 싶어 미련을 버렸다.

-<씨네21>에 기고한 칼럼에 의하면 13살에 본 호러영화가 영화에 빠진 첫 번째 기억이다. 호러영화의 어떤 면에 끌렸나.

=평소에 전혀 볼 수 없던 판타지, 새로운 세계가 준 문화적 쇼크였다. 영화 보는 내내 롤러코스터를 타고 있는 것 같았다. 호러에 빠져들어 동네 재개봉관에 <터미네이터>가 개봉됐을 때도 제이슨, 프레디를 잇는 새로운 살인마인 줄 알았다.

-고등학교 시절 메탈밴드에서 활동했다는 전설이 있다.

=5인조 밴드 ‘아파치’였다. 싱어도 했지만 3학년 때는 드럼을 쳤다. <젊은 미소> 부르는 1학년 시절엔 노래도 가능했지만 학년이 오르면서 메탈의 샤우트 창법이 요구되는 통에 어쩔 수 없었다. 그래서 <와이키키 브라더스>를 보는 동안 지하 연습실의 익숙한 곰팡이 냄새가 나는 것 같더라.

-그러니까 만화 습작은 전혀 한 적이 없는 건가.

=창원에서는 만화에 대한 정보도 도구도 구하기 힘들었다. 다만 책의 여백만 보면 만화를 그렸다. 다른 애들은 멋있는 그림을 흉내냈지만 나는 윤승운, 김수정 선생님의 그림, 닥터 슬럼프 캐릭터를 즐겨 그렸다. 중학교 미술 선생님이 “아이디어는 좋으나 색칠은 못한다”는 평을 도화지 뒤에 써주셨는데 아직도 콤플렉스다. 미술부장이라 학교 대항 대회에 나가기도 했는데, 조회 시간에 교장 선생님이 “미술의 정훈이만 빼고 우리 학교 대표들이 다 상을 탔습니다”라고 발표하신 일을 잊을 수 없다. 정식수업은 못 받았지만 다른 식의 수련을 했다. 여자친구에게 매일 편지를 쓰면서 일상을 전하는 게 아니라 매번 스토리와 장치를 고안해 재미있게 해주려고 골몰했다. 그걸 3년쯤 하니까 재주가 되더라. 꽤 야한 내용을 친구들의 실명과 실제 캐릭터를 끌어들여 극화한 연재만화도 그려 학교에 돌렸는데 인기가 높았다.

-실제인물을 끌어들였다면 ‘만화 vs 영화’의 원형 아닌가. 고교 졸업부터 <리모코니스트>로 <영챔프> 공모전에 당선돼 데뷔하기까지 공백기를 어떻게 보냈나.

=삼수까지 실패하고 영장이 나왔다. 김진태 작가 인터뷰에서 만화 가르치는 학원이 있다는 걸 처음 알고 서울의 만화학원에 등록했다. 6개월 과정을 한달 남기고 다시 영장이 나와 동사무소 방위가 됐다. “네 평생 공무원 될 기회는 이번뿐”이라는 아버지 말씀대로. 열심히 재미있게 지냈다. 동사무소 귀염둥이였고 동네 다방에 드나들고 사회 복지사들을 도우며 다양한 사람들을 만났다. 만화 속 많은 이야기가 그때 경험이다.

-이른바 패러디 만화로 만화가 이력을 시작한 경위를 설명한다면.

=<씨네21>의 제의 직전에 만화잡지에 패러디 만화 아이디어를 냈다가 거절당했다. 당시 영화를 패러디하는 TV 프로그램이 난립해서 식상하다는 반응이었다. 하지만 나는 영화를 비트는 게 아니라, 아주 촌스러운 살아가는 이야기 또는 고전과 역사를, 영화를 빌려 이야기할 수 있을 것 같았다. 나는 생활의 관찰과 경험이 먼저고 그걸 담는 틀로 영화를 끌어온다. 특정 영화를 패러디하려는 의도로 출발하진 않는다. 그래서 영화사에서 개봉작을 그려달라는 부탁을 해도- 강직해서가 아니라- 응하기 힘들다. 초기에 개봉 6개월쯤 지난 신간 비디오를 주로 소재로 삼은 것도 그래서다. 영화는 사전정보를 모아두었다가 내 이야기에 대입시키고 뒤늦게 ‘확인사살’하는 경우가 많다. 오히려 개인적으로 감동받은 영화는 잘 못 그린다. <박하사탕>이 그런 예다.

-엄밀히 말해 영화 패러디라기보다 영화를 ‘핑계’로 삼은 만화로 보이기도 한다.

=가끔 내가 그리는 것이 패러디 만화인가 하고 반문도 한다. 나에 관한 기사는 패러디라는 점에, 영화를 비틀었다는 점에만 초점을 맞출 때가 많은데 그건 내 만화를 충분히 설명하지 않은 것이다. 설정이나 캐릭터를 따올 때도 있고 영화를 끌어들이는 정도는 매번 다르다. 사실 <맨츄리안 켄디데이트>(메추리알이 캔디랑 데이트하는 내용)처럼 숨겨놓은 장치없이 제목만 갖고 갈 때가 인간이 비참할 때다. (웃음)

-<무사>의 황토색 색감, <사무라이 픽션>의 흑백 촬영과 엉터리 일본어 대사, 조지 루카스의 <스타워즈> 디지털 업그레이드 등 영화의 내러티브뿐 아니라 형식 자체를 이용한 작품들이 인상적이었다.

=그런 작품들은 나도 만족한다. 영화에서 캐릭터나 내용만 비틀 수 있다는 생각은 선입견이다. 단 하나의 장치든 감독의 사연이든 갖고 가면 된다. <씨네21> 독자들을 믿고 가는 거다. 패러디라는 용어선택의 문제인 것 같다.

<사무라이 픽션>

<사무라이 픽션>

진짜 남기남 감독님 있는 것 알고 당황

-<씨네21>이라는 잡지의 속성이 ‘정훈이 만화’에 끼친 영향이나 제약이 있나.

=진보적인 신문 <한겨레>의 특성에다가 영화전문지여서 처음에는 상당히 부담스러웠다. 의뢰를 받고 창원에서 어렵사리 잡지를 구해봤는데 첫인상이 ‘먹물잡지’ 같아서 영화에 대해 아는 것도 없는 나로선 걱정이 앞섰다. 진보와 보수의 개념도 없을 때니 막연히 독재와 반독재 사이에서 뭔가 해야겠구나 생각했고, (웃음) 그래서 고른 첫 영화가 한국 근현대사를 건드린 <포레스트 검프>였다. 나름대로 매체적 특성을 잘 맞췄다고 흡족해했다. 물론 그 다음부터는 역시 내 마음대로 그리고 말았지만.

-무엇보다 <씨네21>이 끼친 영향이 있다면, ‘정훈이 만화’를 전적으로 방임하는 태도 아닐까.

=10년을 연재하면서 한번도 태클을 받은 적이 없다. 심지어 오자 난 것도 안 잡아준다. (웃음) 마감을 하도 급박하게 해서 한번은 편집장이 만화를 읽지 못하고 인쇄한 적도 있다. 다른 잡지에도 연재를 했지만 이런저런 개입이 많다. 특히 사보의 경우는 부장, 전무, 이사 결재까지 받아야 한다.

-일반적인 작업의 과정을 묘사한다면.

=친구와 대화하거나 방바닥을 뒹굴거리다 아이디어를 건진다. 메모를 하지 않는 습관 때문에 마감 닥쳐서 친구한테 전화해서 “내가 무슨 얘기를 했는지 기억해 봐!”라고 들볶기도 하고 휴대폰에 대충 입력해둔 키워드가 무슨 뜻인지 몰라 끙끙대기도 한다. 일단 그리기 시작하면 6시간 안에 끝난다. 사전에 콘티는 전혀 안 짠다. 기승전결의 포인트도 미리 정하지 않고 그냥 한달음에 그린다. 그래서 광고 스토리보드 작업 같은 걸 하면 힘들다. 일단 스토리를 결재받고 한달 뒤에 그려야 하니까 죽을 맛이다. 생각해보면 모든 게 그런 식이었다. 코너 이름도 없었는데 어느 순간 ‘정훈이 만화’가 되었고, 캐릭터도 작정하고 만든 게 아니라 연재를 하다보니 생겼다.

-정훈이 만화에는 남기남, 김꽃달, 씨네박 등 4∼명의 고정 출연자가 있다.

=가장 먼저 만든 씨네박은 방위병 시절 오버쟁이 중대장을 모델로 했다. 여성적이고 나를 닮은 성격의 남기남 캐릭터는 고등학교 친구 현식이의 45도 뒷모습에서 외모를 빌렸고 우연히 친구에게 들은 ‘남기남 시리즈’에서 이름을 따왔는데, 공교롭게도 동명의 감독님이 계시다는 사실을 알고 당황했다. 게다가 ‘충무로 이단아’ 씨네박까지 있으니 오해하셨을까봐 죄송스럽다. 김꽃달은 “여자 캐릭터라고 꼭 예쁘고 섹시해야 하나. 여자도 남자랑 똑같다”라는 생각으로 그린 캐릭터다. 재수 시절 “김꽃달 학생 교무실로 오세요”라는 구내방송으로 학원을 뒤집어놓았던 이름을 빌려왔다.

<마이너리티 리포트>

-1997년부터 <영챔프>에 연재한 <트러블 삼국지> 이야기를 하자. <고우영 삼국지>가 관우와 제갈공명을 정치적 라이벌 관계로 해석한 점이 인상적이었다면, <트러블 삼국지>는 장비를 유일하게 문제해결능력이 있는 인물로 본 것이 특이했다.

=장비는 보편적으로 가장 인기없는 <삼국지> 속 영웅이다. 하지만 알고보면 똑똑한 인물이다. 고민을 하지 않고 이것저것 잴 줄 모르는 장비는 중국이 개방할 무렵 인기가 치솟았다고 한다. <트러블 삼국지>의 장비는 에어로빅을 하고 인형을 좋아하는 등 여성형의 성격을 가진 인물이기도 하다.

-<트러블 삼국지>는 결말이 흐지부지했다. 원래 원했던 작품을 그리지 못한 건가.

=면밀한 구상없이 시작해 첫 단추를 잘못 끼웠다. 그림체도 어울리지 않았고 매주 기발한 코미디를 충족시키면서 <삼국지>의 잘 알려진 대목과 연결하려니 통제가 안 됐다. 연재 당시에도 내부 기자만 좋아하고 인기가 없었다.

-<트러블 삼국지>의 말을 비롯해 많은 동물을 돼지처럼 그린다. 용, 바퀴벌레, 나아가 <스타워즈>의 요다까지 돼지와 비슷하게 그리는데, 특별한 애착이 있는 건지.

=그림체의 비례가 워낙 그렇지만 돼지를 좋아하긴 한다. 어릴 적 ‘갈비’라 불렸던 나는 돼지라는 귀여운 별명을 가진 친구들이 부러웠다. 그런데 스스로 살이 찌기 시작하니까 누군가 “돼지”라고 불렀을 때 어감이 좋지는 않더라. (웃음)

-영화와 TV를 패러디하는 와중에 간간이 시사만화의 색깔을 내비쳤다.

=사실 그리는 입장에서 제일 싫은 부문이 시사만화다. 아이디어가 궁할 때, 누구나 이해하는 당면한 시사적 내용을 차용하는 것 같아서 피하는 편이다. 그런데도 시사만화가 인상이 강한지 어디 가면 “<한겨레21> 시사만화가 정훈이씨”라고 소개받기도 한다. 모든 만평가들이 고민하듯 시사만화는 시간이 흐르면 무슨 내용인지 이해받기 힘들다는 점이 슬픔이다. 나의 시사만화에 대해서는 “네가 무슨 혁명가냐”고 말리는 사람이 있는 반면, 시사만화 그릴 때가 제일 좋다는 사람도 있다. 내 결론은 시사도 그저 하나의 재료라는 것이다.

-당신은 기본적으로 자기만의 한갓진 세계에서 형식적인 유희를 즐기는 귀차니스트다. 그 점을 고려할 때 지난 대선에서 노무현 후보에게 보여준 가히 ‘열정’이라 부를 만한 지지는 흥미롭다.

=그것은 스스로와 맺은 약속 같은 것이었다. 홈페이지 만든다고 한창 서핑하고 다닐 무렵 정치인 사이트를 돌아다니다가 노무현 후보의 사이트에 들어갔다. 거기에는 연구하는 모습이 있었고 제대로 된 커뮤니티가 있었다. 업적과 ‘걸어온 길’을 나열한 천편일률적인 정치인 사이트와 달랐다. 그곳에 모인 사람들은 생활 속에서 정치를 실현하려 하고 있었다. 보좌관에게 “정치인 홍보만화 청탁을 수락한 적이 없지만 당신이 선거에 나온다면 봉사하겠다”고 메일을 썼다. 답장도 오지 않았지만 스스로의 다짐 같은 것이었다. 김대중 정권 말기에 국정홍보지 일을 하면서 누수현상과 차기 대통령 유력자 앞에 줄서기하는 모습에 어떤 절망 같은 걸 느끼고 있었다. 노 후보가 대통령이 될 것이라 믿지는 않았지만 인터넷이라는 수평적 공간에서 국민들의 자발적 힘을 발휘해 가능성을 실현시키는 과정이 드라마틱했다. 노 후보는 내게 세상이 어떻다는 의제를 정리해주는 존재고 정치인으로서 드물게 인간다운 화법으로 말하는 사람이다. “나서지 말라”는 소리를 많이 들었고 실제로 선거 때 활동하고 나서며 진행하던 일이 높은 사람 선에서 좌초되는 경우도 있었다. 노무현은 나로선 평생 처음 열광을 보낸 스타다. 지금은 큰 관심이 없다. 알아서 잘 일하고 있으니까 잊어버리고 산다.

-그렇다면 당신이 바라는 세상에 대한 정치적인 원칙은 언제 형성됐나.

=1991, 92년 재수, 삼수할 때 하숙집에 전국에서 모인 학생들이 선거 때 출신지역으로 갈리는 걸 보았고 광주 민주화운동 이야기도 처음 들었다. 세상은 내가 아는 세상과 다른 곳이었다. 고대사만 좋아했는데 이후 근현대사에 관심을 갖게 됐다. 근현대사는 현재와 연결된다. 그 속에서 우리 동네 출마 후보의 뿌리를 찾을 수 있다.

글: 김혜리<vermeer@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/imagolog)
사진: 오계옥<klara@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/klara000)

해괴망측한 상상력을 만나자, ‘빌 플림턴 단편전’

독립애니메이션계의 악동 ‘빌 플림턴 단편전’, 4월18일부터 4주간 열려

<Eat>

“이번엔 또 무슨 장난을 쳐놨을까.”

그가 신작을 냈다는 소리를 들으면 어느새 피식 미소가 지어진다. 미국의 빌 플림턴(Bill Plympton) 감독 말이다. 한국 나이로 치면 올해가 환갑인데, ‘독립애니메이션계의 악동’, ‘폭력과 섹스의 엽기적 결합의 달인’이라는 수식어는 여전히 유효하다. 오히려 나이를 먹을수록 더 기발한 영상을 내놓으니, 그의 머릿속은 도대체 어떻게 구성돼 있는지 궁금하지 않을 수 없다. 마침 4월18일부터 5월12일까지 중앙시네마에서 열리는 ‘애니광 구출! 상영작전’의 제목이 ‘빌 플림턴 단편전’이다. (주)라바메이저(rabamajor.com)와 한국독립애니메이션협회(kiafa.org)가 올해 1월부터 시작한 독립단편애니메이션 정기상영회의 세 번째 코너다. 이번 상영회에서는 그의 초기작부터 최근작까지 ‘플림턴 20년사’를 두루 모아놓았다. 관객의 선택은 두 가지다. 온몸의 무장을 완전히 해제하고 푹 빠져~보시든지 아니면 비위가 약하신 분은 일찌감치 일어나 나가시든지. 그런데 언뜻 이런 생각이 들었다. 그가 20년간 벌인 ‘족적’은 우리에게는 과연 무엇인가. 좀더 구체적으로, 무일푼 독립작가가 어떻게 (거의 혼자서) 수많은 단편은 물론 장편애니메이션도 4편이나 만들고 세계 애니메이션페스티벌을 휘젓고 다닐 수 있는가. 부글거리는 한국 애니메이션계가 그에게서 냉큼 따먹어야 할 과실은 무엇일까.

그의 강점은 철저한 ‘독립’작가라는 점이다. 돈이 없다보니 기획, 각본, 스토리보드, 레이아웃, 배경, 채색까지 거의 혼자 힘으로 하고 있다. 그러다보니 빨리 그리지 않으면 안 된다. 그의 그림이 여백을 강조하는 스케치처럼 보이는 것도 이런 이유다. 마침 그는 손이 빠르고, 무엇보다 그림 그리는 것을 너무나 즐기는 ‘특이 체질’의 소유자다. 그의 말을 들어보자. “하루 300장 정도 그리니까, 3천장이면 열흘 정도. 짧은 것은 몇달이면 가능하다. 70분짜리 장편도 혼자 1년 반이면 된다.” 실제로 지난 2월 제77회 아카데미 후보로 올랐던 최신작 ‘가드 독’(Guard Dog)의 경우 2003년 12월 시나리오 작업을 마치자마자 애니메이션 작업을 끝내버리고 2004년 1월에 포스트 프로덕션까지 완료했다. 5분짜리 작품이 불과 두달 반 사이에 ‘뚝딱’ 탄생한 것이다. 지난해 11월 한국영화아카데미 워크숍 참석차 내한한 플림턴 감독은 단편의 성공비결을 세 가지로 정리했다.

“첫째, 5분 미만으로 짧게 만들어라. 둘째, 싸게 만들어라. 셋째, 웃기게 만들어라. 그래서 전세계 모든 영화제에 보내고 영화제에 찾아가서 배급자들을 직접 만나 이야기하라.”

짧게, 싸게 만든 작품을 들고 그는 영화제를 돌아다녔다. 디즈니와 다른, 철저하게 성인을 위한 발칙한 상상력이 가득 담긴 그의 작품은 영화제에서 단연 돋보이는 대상이었고 그는 곧 ‘요주의 인물’이 됐다. 그렇게 얻은 명성으로 광고 작업을 통해 수입을 얻어가며 다시 단편을 만들었다. 수많은 단편을 통해 다듬어진 내공은 장편으로 이어질 수 있었다. 장편에 포함될 에피소드를 미리 단편으로 만들어 장편 투자자를 물색하는 데에도 성공했다. 예술적이고 실험적인 특성이 강한 독립애니메이션을 이용해 상업적 마켓까지 침범한 흔치 않은 사례 중 하나가 된 것이다. 2000년 히로시마페스티벌에서 그는 신인감독상을 수상한 이명하 감독에게 ‘독립 감독으로 뜨는 비법’을 들려주었다. 엿들어보니 이랬다. “일단 한 작품만 띄워봐. 전세계를 다 돌아다닐 수 있어. 궤도에 오르면 그런 작품을 계속 만들면 되고, 그럼 매일매일을 휴가처럼 살 수 있어. 독립 감독도 알고보면 괜찮은 직업이라고.”

그의 작품이 뜬 이유는 무엇일까. 물어보나마나 그의 전매특허, 즉 과장된 폭력과 온갖 변태적 섹스와 상상을 초월한 잔혹미에 유머라는 초콜릿 무스를 잔뜩 버무려놓는 그의 수법에 기인한다. 그가 자기 작품을 보여주며 우리 귓가에 속삭이는 말들은 주로 이런 것들이다.

“사실은 이런 걸 해보고 싶었던 거지?”(소시민은 생각조차 못하고 물론 행동으로 옮기지도 못하는 것들. 보기 싫은 놈에게 토사물 먹이기. 그놈 내장으로 줄넘기하기 등)

“극장에서 진짜 보고 싶은 것은 이런 것 아냐?”(마음에 안 든다고 단칼에 사지를 절단내고, 사람 목을 칠면조 몸통에 붙여버리고, 섹스 중에 부인을 수녀로, 로봇으로, 토끼로 마구마구 변신시켜보고)

“이렇게 볼 수도 있잖아!”(음식물이 어떻게 변이되는지 X레이처럼 뱃속에서의 진도를 보여주고, 남녀간의 데이트가 어떻게 진행되는지 혀의 입장에서 바라보기도 하고) “몰라서 그렇지, 이게 원래 이렇다니까.”(귀엽기 그지없는 애완동물이 천연덕스럽게 극악무도한 짓을 하고 권력을 추종하는 모든 세력의 엉큼한 뒷모습을 까발리고) 그래서 섹시한 매력이 넘치는 여주인공과 남성적 힘으로 가득한 주인공은 물론 점잖은 신사, 귀여운 동물도 그의 작품에서는 관객의 상상을 뒤집는 전혀 다른 모습으로 변신한다. 그의 작품의 가장 큰 특징은 기괴하고 폭력적이지만 반드시 유머가 깔려 있다는 점이다. 눈길 끄는 영상만 있고 재미가 없으면 관객을 온전히 끌어들일 수 없다는 것을 이미 간파한 덕분이다. 그는 또 “단편은 몇분간 즐길 수 있는 시각적 아이디어가, 장편은 캐릭터와 스토리가 무엇보다 중요하다”고 말한다. “장편은 제작시간도 많이 걸리고 배급에도 어려움이 많지만 나로서는 즐겁다. 그래서 장편을 만든다”는 것이다. ‘즐거우니까’ 한다는 얘기다.

지난번 내한 당시 그는 한국의 애니메이터에게 이런 부탁을 남겼다. “많은 작품을 보고 최대한 많이 그려라. 그리고 메모장을 만들어 좋은 아이디어가 떠오르면 그때그때 적어서 참고하라. 무엇보다 항상 삶에 대한 호기심을 잃지 않길 바란다.” 환갑줄에 들어섰지만 항상 “뭐 새로운 거 없수” 하고 눈과 귀를 쫑긋거리는 빌 플림턴. 온갖 사회적 인식의 제약과 거대한 자본의 굴레에서 진정 자유롭고자 하는 그의 모습에서 우리 독립애니메이션의 미래를 찾아보는 것도 하나의 방법이 아닐까.

빌 플림턴 단편전 주최: (주)라바메이저, 한국독립애니메이션협회, 중앙시네마 장소: 중앙시네마 5관 입장료: 6천원 등급:19세 관람가 문의:02-776-9024(중앙시네마 홍보팀) 02-765-8312(프로그램 관련: 라바) ☞ 상영일정표 보러가기

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<작품소개>

<Boomtown>
전형적인 1950년대 미국의 글래머 미인 두명이 나와 즐겁게 춤을 춘다. 이어 등장한 독수리 머리를 가진 근육맨은 걸어다니는 ‘낫과 망치’를 응징한다. 공장에서는 폭탄에서 자동차까지 안 나오는 물건이 없고 그런 공장 주위에서 사람들은 신나게 노래한다. 한 마을을 배경으로 냉전시대부터 현재까지 미국의 모순을 경쾌한 화면으로 풍자해냈다.

<Your Face>
음산한 분위기의 중성적인 목소리가 흘러나온다. 여성 보컬리스트 모렌 맥엘허론의 노래를 녹음한 뒤 남성 가수를 캐스팅할 제작비가 없어 모렌의 노래를 느리게 재생했기 때문이다. 목소리가 노래하는 대로 얼굴은 뒤틀리기 시작한다. 눈이 튀어나오고 코가 삐뚤어지는 것은 기본이다. 1988년 아카데미 단편애니메이션 부문 후보작.

<25 Ways to Quit Smoking>
담배를 끊기가 힘든다고? 그럼 이 작품을 보시라. 25가지나 되는 방법이 존재한다는 사실을 감독은 끔찍할 정도로 친절하게 가르쳐준다. 입에 하나 가득 담배를 물게 된 사람은 어떻게 되는가. 여기 나온 방법 그대로 한번 해보고 싶은 마음이 생겼다면 플림턴 감독에게 연락해보시길.

<How to Kiss>
사실 누가 가르쳐준 적이 있었던가. 어떻게 하면 키스를 잘했다고 소문이 나는지를. 설왕설래가 난무하는 ‘프렌치 키스’를 비롯해 얼굴이 풍선만해지는 키스, 상대를 잡아먹어버리는 키스까지 ‘사랑의 고수’ 플림턴이 보여주는 키스는 다양하기 그지없다. 하지만 뭐니뭐니해도 가장 짜릿한 키스는 첫 키스가 아닐는지. 남자의 입술을 요리 빼고 조리 빼는 여자의 표정이 압권이다.

<32 Flash Animations>
손으로 그림을 그리는 것이 좋아 컴퓨터를 멀리하고 있다는 플림턴도 대세를 거스를 수는 없나보다. 그의 플래시 작품들은 직접 만든 것은 아니고 감독을 따로 두고 자신은 기획에 나선 작품들이다. 그의 그림체가 살아 있기는 하지만 특유의 어수선한 맛은 없는 편.

<Eat>
한 식당에 남자 손님 하나와 커플 손님, 가족 손님이 들어온다. 혼자 온 남자는 주문한 스파게티를 어떤 여인으로 상상한다. 여자의 입에서 튀어나온 음식물 파편을 웨이터는 삭삭 긁어 접시에 담는다. 또 아이들은 햄버거 탱크로 포격을 하고 피자 비행기로 기관총을 난사한다. 이제 레스토랑에서 제대로 음식을 먹는 사람은 아무도 없다.

<Guard Dog>
귀엽고 사랑스러운 것들이 사실 기괴하고 흉측한 것이라면? 그는 어느 날 한 공원에서 이 작품의 소재를 얻었다고 한다. 비둘기를 무서워하는 개 한 마리를 본 것. 그는 ‘왜 개가 비둘기를 무서워할까’ 하고 생각했고 아이디어는 바로 작품이 됐다. 주인공 퍼그는 비둘기와 다람쥐를 향해 마냥 짖어댄다. 작고 약한 비둘기와 다람쥐가 사실은 주인을 해칠 것이라는 강박관념에 시달리고 있기 때문이다. 2005년 아카데미 단편애니메이션 부문 후보작.

빌 플림턴은 누구? 1946년 4월30일 미국 오리건주의 포틀랜드에서 태어났다. 비가 많이 내리는 오리건주 특성상 어릴 적부터 그림 그리는 일과 상상하는 일을 좋아했다고 한다. 스물두살 때 만화를 그리기 위해 뉴욕으로 옮겨 스쿨 오브 비주얼 아트에 입학했다. 이후 <뉴욕타임스> <보그> <플레이보이> <펜트하우스> <롤링 스톤> 등에 만화를 연재하기 시작했다. 서른한살 때 첫 애니메이션 <Lucas the Ear of Corn>(1977)을 만들었고 1985년 공식적인 첫 단편 <Boomtown>을 발표했다. 87년 <Your Face>가 아카데미 단편애니메이션 후보에 올랐다. 이어 92년에는 최초의 장편 <The Tune>을 만들었고 98년 <나는 이상한 사람과 결혼했다>, 2000년 <뮤턴트 에일리언>에 이어 지난해 장편 <Hair High>를 발표하면서 전세계에 적지 않은 고정팬층을 만들어가고 있다.

글: 정형모

영국이 보는 한국영화, <살인의 추억> <장화, 홍련> <폰>

<살인의 추억> <장화, 홍련> <폰>의 개봉 후 영국 비평 공개

몇주 전, <씨네21> 464호 특집 ‘세계가 보는 한국영화’에 영국 평단과 언론의 목소리는 담아내지 못했다. 이렇다 할 개봉작이 없었기 때문. 그런데 8월 들어 <살인의 추억> <장화, 홍련>(8월13일) <폰>(8월27일) 등이 줄줄이 개봉하면서, <사이트 앤드 사운드> <가디언> <타임 아웃> 등 유력 매체에 이들 작품의 비평이 실렸다. 그들의 다양한 시각을 여기 공개한다.

<살인의 추억>

<언컷>(Uncut) 2004년 9월호 데이비드 콕스

봉준호는 이 미스터리를 어둡고 절박한 감정과 섞어놓는다. 그는 모든 것이 만족스럽고, 모든 질문이 다 답해지는 결론을 향해 갈 때 우리가 느끼는 평범한 즐거움을 주지 않는다. 관객은 그 어둠 속을 형사들과 함께 헤매며 따라갈 수밖에 없다. 살인범이 잡히지 않을 것이라는 사실을 알고 관망한 채 앉아 있으려 해도, 영화의 종말은 숨이 막히고 폐부를 찌른다. 영화는 뛰어나게 잘 짜여져서 흥미진진한 스릴러이면서도 느슨한 구석도 갖고 있어서 때로는 놀라울 정도로 웃기고 감동적이다. 설득력 있는 이야기, 세심한 디테일과 넘치는 개성, 이 영화는 올해 최고의 범죄영화라 할 수 있다.

<타임 아웃> 2004년 8월 11~18일 No.1773 제프 앤드루

이 어둡고 웃기고 감동적인 영화가 흥미로운 것은, 실제로는 지적이고 의도도 좋은 형사들이 행사하는 잔인함이, 그 당시 아직도 군사독재 정권하에 있었던 국가적 상황을 반영하고 있기 때문은 아니다. 그것은 봉준호 감독이 서스펜스 만점의 미스터리로 우리를 끌어들이고도 장르적인 규칙에 따라서 플레이하기를 거부한다는 데 있다. 그는 장르적 규칙보다는 살인 때문에 사람들이 겪게 되는 고통, 수사가 진행될수록 쌓여가는 절망과 혼돈, 그리고 우리가 믿고 싶은 것보다 강물은 더 혼탁하다- 증거와 윤리라는 면에서- 는 것을 강조한다.

<가디안> 2004년 8월13일 금요일 피터 브래드쇼

한국에서 온 이 기이한 스릴러영화는 그 나라에서 실제로 가장 악명 높았던 연쇄살인사건에 기초하고 있다. 작은 지역 도시에서 1986년에서 1991년 사이 10명의 여자를 살해한 이 사이코 범죄자는, 그뒤 살인을 멈추었고 결국은 잡히지 않았다. (중략) 봉준호의 영화에는 몇개의 멋진 장면들이 있는데, 그중 하나는 기자와 구경꾼이 뒤섞인 혼잡한 군중에 의해서 범죄현장이 무지막지하게 망가지는 장면이다.

<장화, 홍련>

<가디안> 2004년 8월13일 금요일 피터 브래드쇼

이번주 두 번째 한국영화는 김지운의 악몽 같은 공포영화다. 이 영화는 새로운 종처럼 출현한 일본의 무서운 영화들- <링> <주온> <검은 물 밑에서>- 의 스타일을 취하고 있다. 이 영화는 조금 과욕이 엿보이고, 마지막 반전은 선명함과 충격이 부족하다.

<이브닝 스탠더드> 2004년 8월12일 목요일 윌 셀프

<캐리>나 <엑소시스트> 그리고 폴란스키 영화에서 보듯이 공포영화를 만드는 남자감독들의 심리세계에 생리하는 소녀만큼 더 사악하고 불길한 것은 없는 것 같다. 그렇지만 이 문제에 대해 더이상 유럽 중심적으로 생각하지는 않는 게 좋을 것 같다. 김지운의 영화가 충분히 잘 보여주듯이, 이 문제에 대해서는 실제로 어떤 보편성이 있는 것 같다. 그가 여성의 생리학에 대한 자신의 남성적인 불안감을 더했으리라고 생각한다 해도 틀리지는 않겠지만, 원래 이야기(전래 동화)에 주인공들의 히스테리가 잠재적으로라도 나타나 있음에 틀림없다. (중략) 그 집 자체가 이 정상성을 흉내내는 팬터마임에서 하나의 훌륭한 스타 플레이어 역할을 해낸다. 그 집은 깔끔한 중산층의 효과로 가득 차 있으면서도 뭔가 말할 수 없는 끔찍함을 품고 있다. 이모개의 카메라는 이 비극적인 세팅을 잘 잡아낸다. 카메라는 줌인하거나 아웃하지 않고 공간을 베어버린다. 트래킹하지 않고 찔러버린다. 연기는 모두 훌륭하지만, 그중에서도 공격적인 언니 임수정과 사악한 새엄마로서의 염정아의 연기는 빼어나다. 임수정은 동양의 위노나 라이더 같은 무표정한 표정으로 무언가 깨우친, 그러나 아직은 균형이 덜 잡힌 십대의 모습을 연기한다. <장화, 홍련>의 플롯상의 반전들보다 더 중요한 것은 쌓여가는 최면적인 공포 분위기다. 사실, 누가 진짜 미쳤고, 누가 더 사악한가는 궁극적으로는 중요하지 않다. 단 한번의 심장이 멈출 듯한 사실의 폭로 대신에 김지운은 폭포수처럼 쏟아져내리는 순간들을 제공한다. 보는 사람의 배가 뒤집혀나왔다가 다시 들어가곤 하는 순간들 말이다. <장화, 홍련>은 이미 <링>처럼 할리우드에 리메이크 판권이 팔렸다. 그러나 과연 감독의 두드러진 한국적 표현과 느낌들이 글로벌한 화폐 단위로 교환 가능할지는 의문이다.

<폰>

<사이트 앤드 사운드> 2004년 9월호 Vol.14 킴 뉴먼

잘못 걸린 전화는 공포의 수단으로 자주 이용돼왔다. 휴대폰의 상용화는 서스펜스영화 시나리오 쓰기를 더 힘들게 해왔다(‘전화를 걸어서 도움을 청하면 되잖아’ 하는 불만들). 그러나 이 영화는 휴대폰 때문에 일어날 수 있는 모든 불길한 상황들을 생각하게 한다. 휴대폰에 미쳐 있는 아시아 문화에 대해 일정 정도의 메시지를 담고 있는 듯하다. 거기서는 귀신들린 전화를 받는 사람들에게 어느 누구도 휴대폰을 없애버리면 된다고 충고할 것을 생각지 못하는 것 같다. <폰>은 기억에 오래 남을 끔찍한 순간들을 만들어내지만, 이야기를 풀어나가는 면에서는 부족한 듯하다. 요즘 아시아 귀신영화들은 서로 비슷한 것들이 겹치고 반복되면서 나름대로 무리를 형성하기 시작했다. <폰>은 따로 보면 나쁜 편은 아니지만, 무리 중 하나로서라면 그저 그런 편이다.

글: 이지연

영화미술은 배경이다, 이유와 의미가 있는 - <분신사바> 미술팀 오선호

<분신사바>의 촬영현장, 스피디하게 흘러가는 현장에는 긴장감이 감돌고, 영화의 전체적인 분위기를 좌우할 미술팀은 바쁘다. 초록색 티셔츠에 아무렇게나 가다듬은 머리, 셀 수 없는 피어싱을 하고 황급히 뛰어다니는 미술팀 막내 오선호(32)씨와 마주친 것은 바로 그때였다. 인터뷰를 거부하는 그를 잡기위해 현장에 있는 홍보사 직원의 권력까지 빌려야 했다.

굉장히 바쁜가보다.

아, 지금은 정신이 없다.

간략하게 할 테니 긴장하지 마라. <분신사바> 미술팀은 어떻게 시작하게 되었나.

시각디자인과를 나왔다. 지금의 미술팀장과 작업실을 같이 한 적이 있어서 참가하게 되었다.

그럼 영화미술은 완전 초짜인가.

그렇다. 게다가 장르영화니까 이전의 영화들과는 다른 독창적인 컨셉을 보여주어야 하는 게 더 힘들다. <장화, 홍련> <여고괴담>, 그외 일본 호러영화들을 많이 참고하는 중이다.

이전에 하던 디자인 일과 다른 점이 뭔가.

디자인 작업은 결과 하나만을 생각하며 추진하면 된다. 하지만 영화는 스케일이 크기 때문에 작업의 전체적인 그림을 떠올려야 한다. 준비할 일들도 많다. 그래도 다른 디자인 계통 일보다 보람이 크다.

첫 영화인데 벌써 보람도 느끼고…. 어떤 점이 제일 보람있나.

영화미술은 일종의 배경에 불과하다. 하지만 이 일을 하면서는 배경에 걸린 그림 하나도 이유와 의미를 담아서 고르게 되었다. 관객일 때는 그냥 지나치는 것들이었지만 지금은 영화에서 그런 것들이 눈에 들어온다. 내가 숨겨놓은 영화 속의 힌트들을 사람들이 발견하는 것은 멋진 일인 것 같다.

어떤 영화를 가장 하고 싶나.

내가 참가할 수 있는 영화라면 다 좋다.

하나만 골라봐라.

음… 제니퍼 로페즈가 나왔던 <셀> 같은 영화. 그 영화는 정말 미술 빼면 시체였다. 그렇게 미술이 강렬한 영화를 해보고 싶다.

영화미술에 대한 나름대로의 평가라면.

안타까운 점이 있다면 미술, 소품, 의상팀들이 원할하게 소통하지 못하고 따로 노는 경우가 많다는 거다. 그래서 즉흥적으로 결정되는 부분들이 있기도 하고. 이런 시스템에 변화를 줘서 크게 한덩어리로, 유기적으로 서로 결합되어 진행될 수 있게 되었으면 좋겠다.

영화미술을 하려는 다른 초짜들에게 하고 싶은 말은.

이 일을 하면 할수록 준비단계가 생각보다 훨씬 중요하다는 것을 느낀다. 준비를 열심히 하자!

인터뷰를 마친 그는 어색한 표정으로 사진촬영까지 마치고는 황급히 뛰어갔다. 촬영장인 학교의 여고생들에게 그는 ‘김C’로 오인받곤 한단다. 김C, 초짜의 정신을 언제나 잃지 마시기를.

글·사진 김도훈

글: 김도훈<groove@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/yaroslav)

화염 속에 타오르는 원혼, <분신사바> 촬영현장

<가위> <폰>의 안병기 감독이 연출하는 세 번째 공포영화 <분신사바>의 촬영현장 공개가 지난 4월21, 22일 이틀간 열렸다. 유진(이세은)이 친구들을 저주하기 위해 내린 분신사바의 효력이 현실로 나타나, 동급생 중 한명이 얼굴에 불을 붙이고 자살하는 장면이었다. 머리에 비닐봉지를 뒤집어쓰고 시너를 뿌린 뒤 스스로 불을 붙이는 장면의 특수효과와 스턴트를 위해 모든 스탭들이 잔뜩 긴장한 상태였다.

스피디한 촬영 속도를 자랑하는 안병기 감독도 그날만큼은 매우 신중하고 조심스러운 모습으로 현장 지시를 꼼꼼하게 내렸다. 불타는 장면의 클로즈업을 위해 만들어진 얼굴 형태의 물체에 이유리와 단역 연기자가 조심스레 라이터로 불을 붙인다. 순식간에 솟아올라 가짜 두상을 일그러뜨리며 타오르는 불길. 놀란 배우들과 스탭들, 사진기자들 사이로 쓰러져내리는 지지대. 소화기를 들고 대기하던 스탭들이 신속하게 불길을 제압했다. 멀찌감치 피해 있던 사진기자들과 배우들 모두 가슴을 쓸어내리며 안도의 한숨을 쉰다.

특수효과팀과 배우들은 더욱 임팩트가 강한 장면을 만들어내기 위해 감독의 오케이 사인이 나올 때까지 불평없이 위험부담이 큰 장면들을 무사히 해냈다. 그래도 욕심 많은 안병기 감독은 배우들을 향해 연신 “눈에 더 힘을 줘! 눈에 더 힘을 주란 말이야!”라고 외치며 영화 속 실제상황 같은 공포를 심어넣기에 여념이 없다.

4월21일에 이어서 22일에 있었던 촬영은 더욱 위험한 작업이 요구되는 상황. 실제로 비닐을 뒤집어쓴 스턴트맨의 머리에 불을 붙이고 옥상으로부터 그 죽음의 공포를 촬영해야 했다. 촬영장의 분위기는 그야말로 긴장의 연속. 미술선생 역의 김규리와 엑스트라들의 비명이 가득 찬 가운데, 머리에 불을 붙이고 자살하며 몸부림을 치는 희생자, 이를 무서운 눈으로 바라보고 있는 이세은, 비명을 내지르는 소녀들의 뒤를 스윽 지나가는 원혼 역의 이유리. 확실한 현장 통제와 고도의 스턴트, 그리고 안병기 감독 영화 특유의 찐득찐득한 공포가 채워진 이틀간의 촬영은 전주의 뜨거운 햇살과 함께 마무리되었다.

“잔재주보다는 관객의 감정 깊숙한 곳을 자극하는 공포를 창조하고 싶다”는 안병기 감독의 <분신사바>는 7월 개봉예정이다.

전주=사진 정진환·글 김도훈

△ 촬영지인 전주의 기전여고는 영화에 적합한 낯설고 기이한 장소들을 지니고 있다. 건물 사이의 좁은 공간에서 벌어지는 장면을 촬영하기 위해 옥상에 설치한 카메라와 기중기. (왼쪽 사진) △ 안병기 감독은 덮어쓴 비닐의 각과 시너의 흐름까지 꼼꼼하게 챙기며 더 멋진 효과를 위해 고심했다.(가운데 사진)

△ 머리에 뒤집어쓴 비닐봉지에 불이 붙어 괴로워하는 희생자. 위험한 스턴트를 앞두고 촬영장을 침묵시켰던 긴장감은 이루 말할 수 없었다.

글: 김도훈<groove@cine21.com>(블로그: http://blog.cine21.com/yaroslav)

<분신사바> 언론에 첫 공개

올여름 가장 주목받는 공포영화 <분신사바>의 언론시사가 7월 26일 오후 종로의 한 극장에서 열렸다. 이날 열린 시사회에는 영화의 주연배우 및 500여명의 국내외 기자와 영화관계자들이 참석해 <분신사바>에 대한 뜨거운 관심을 보였다. <가위>, <폰>으로 한국적 공포영화의 가능성을 보여줬던 안병기 감독의 세번째 작품인 <분신사바>는 왕따 당하던 여고생들이 부른 '분신사바' 주문이 현실이 되며 엄청난 저주를 몰고 온다는 내용. 일찌감치 일본에 300만 달러(약 36억원)에 판매되는 등 국내 개봉 이전에 이미 제작비 이상을 벌어들여 화제가 되기도 했었다. <분신사바>에 쏠리는 세간의 관심은 '안병기'라는 공포영화 전문감독의 브랜드가 2002년 <폰>에 이어서도 여전히 유효할지에 집중되어 있다. 김규리, 이세은, 이유리 주연의 <분신사바>는 8월 5일 관객에게 주문을 걸 예정이다. 제작 TOILET Pictures, A-POST Pictures/배급 브에나비스타 인터내셔널 코리아.

다음은 감독 및 주연배우 일문일답

찍으면서 가장 무서웠던 장면은 무엇인가?

김규리 : 영화 촬영 때는 다들 똑같이 분장해서 무섭지는 않았다. 편집된 것으로 보니 제 모습이 가장 무섭다.

이세은 : 꿈 속 장면에서 춘희인 김규리가 창문 옆에 서 있는 장면이 있었다. 지금도 생각만 해도 등골이 오싹하다. 또 유진(이세은)이 분신사바할 때 인숙(이유리)이가 갑자기 등장하는데 그 장면 역시 찍는 내내 무서웠다.

이유리 : 겁이 많은 편이라 촬영 내내 무서웠다. 특히 밤에 학교 복도에서 혼자 걸어 나오는 장면이 있는데, 그때가 가장 무서웠다.

최성민 : 30년 전 과거 장면을 찍을 때가 무서웠다. 저는 춘희의 딸 인숙이가 죽어갈 때가 가장 무서웠다.

영화 촬영 동안 위험한 장면이 많았다고 하는데, 가장 위험한 경험은?

안병기 감독 : 여름에 촬영하느라 스탭과 배우들이 고생이 많았다. 내가 욕심이 과했는지..

이유리는 불 앞에서 5분, 김규리는 8분, 이세은은 10분 서 있으라고 했다. 서로들 격려하면서 위험한 장면들을 실감나면